El mono bipolar me dice que queme cosas

Nuevo vídeo de Blood Red Shoes

2010-08-02T10:07:00.002+02:00

Hace un mes, Blood Red Shoes invitaban a sus fans a reunirse en un vertedero londinense y a traer algún objeto o recuerdo que sintieran la necesidad de destrozar. Éste ha sido el resultado.

Buenísima la imagen final.

Tema del día: EVERYTHING EVERYTHING - My KZ, ur BF

2010-07-30T10:58:00.002+02:00

Dicen algunos gurús por ahí que estos chicos van a ser grandes. Yo digo que ya lo son.

(Entrevista con Everything Everything, pronto en H Magazine y en este blog)

Tema del día: YES CADETS - Lies

2010-07-19T16:00:00.008+02:00

Los que me conocen / me leen, saben de mi amor por Belfast e Irlanda del Norte. Acaba de nacer un nuevo motivo para amar esas tierras y continuar con el legado de And So I Watch You From Afar, Panama Kings o The Continuous Battle of Order. Se llaman Yes Cadets y con sólo un EP ya se han ganado un puesto en los favoritos de mi iTunes.

Megafaun: caos y orden

2010-07-19T16:00:00.005+02:00

De las cenizas de DeYarmond Edison surgieron dos proyectos: el de Justin Vernon, Bon Iver, y el del resto, Megafaun. Está claro quién de los dos se llevó el gato al agua, pero ha llegado el momento de devolver al César lo que es del César. “Gather, form and fly” consolida a Megafaun como una gran apuesta con entidad propia. Mucho menos hippies y tradicionales de lo que sus pintas parecen indicar, este trío presenta una propuesta folk elegante y sutil, cargada de detalles y de atmósferas cautivadoras. Phil Cook nos habla acerca del caos, del orden, de su nuevo disco y de cómo se sobrelleva eso de ser “los chicos de Justin”.

Brad, Joe y tú os conocisteis siendo adolescentes, en un campamento de jazz en Wisconsin. ¿Cómo ha influido esta formación jazzística en vuestra manera de entender la música?
Bueno, yo creo que ha influido en todo. Cuando creces tocando jazz, aprendes sobre todo a improvisar y a crear en el momento. Y también a confiar mucho en ti mismo. En el jazz siempre tienes que mejorar, explorar tus límites técnica y musicalmente En este sentido, nos empujó a arriesgarnos, a experimentar tanto en directo como en el estudio.
Precisamente “Gather, from and fly” me había parecido un poco menos arriesgado que vuestro debut, más tradicional.
Sí, claro, es que en “Bury the square” era la primera vez que escribíamos canciones juntos. Era todo mucho menos ordenado, más primerizo. Luego, justo cuando lo acabamos, salimos de gira y tocamos mucho juntos, conocimos mejor nuestras canciones, nos compenetramos más como banda, y fuimos ganando seguridad en nosotros mismos como músicos y también como compositores. Por eso, cuando nos pusimos a grabar “Gather, form and fly” ya teníamos mucha más confianza en nuestra capacidad para hacer canciones: hemos encontrado un equilibrio entre composición e improvisación.

Ahora que hablas de organización, vuestra música ha sido tildada de “caótica y orgánica”. ¿Hacia dónde crees que vais a dirigiros, hacia la pulcritud y el orden o hacia el caos más absoluto?
(Risas) Bueno, yo creo que... dependerá del día. (Risas) A los tres nos gustaría encontrar un equilibro entre caos y orden, pero siempre vamos un paso hacia un lado y un paso hacia el otro. Nuestro próximo álbum lo grabaremos en otoño o invierno, hacia dónde tiremos dependerá de en qué punto de nuestras vidas estemos entonces.
¿Y en qué momento de vuestras vidas estabais cuando escribisteis la letra de “Kauffman’s Ballad”? El tema no es lo más alegre del mundo...
Bueno, en ese momento un amigo mío me hablaba mucho sobre Gram Parson y su muerte. De hecho, un día condujimos hasta el desierto donde Phil Kauffman (su road manager) esparció sus cenizas. Fue una experiencia poderosa, quedamos muy impactados por el lugar y por el recuerdo de la historia vinculada a ese desierto. Así que, no sé, se nos ocurrió componerle una canción.

Otra canción de este disco que me tiene muy enganchada es “Bella Marie”. Me parece preciosa, y el principio me recuerda un poco a The Cave Singers.
¿A The Cave Singers? Pues he escuchado un par de veces su disco, pero no había pensado en un posible parecido... En cualquier caso, el inicio de “Bella Marie” surge de una especie de ejercicios de dedos para la guitarra que hago muy a menudo. Los voy rehaciendo, improvisando y cuando me sale algo que me gusta, como el inicio de “Bella Marie”, pues lo grabo.

Haber trabajado con Justin os ha dado mucha publicidad y os ha proporcionado una atención mediática que, de otro modo, seguramente os habría sido más difícil de obtener. Pero, apartando estos beneficios, ¿cuál es la parte negativa de ser “los del antiguo grupo de Justin Vernon”?
A ver, ya ni nos molesta, ni nos importa, pero sí que es cierto que a veces la gente sólo quería hablar con nosotros sobre Justin, sobre lo superestrella que es y todo eso A veces incluso se les iba la olla y nos preguntaban cosas personales sobre él, como, yo qué sé, qué come para desayunar. (Risas) Y yo me quedaba en plan: “me importa una mierda lo que desayune Justin, tío”. (Risas). Incluso ha habido gente que ha venido a entrevistarnos después de nuestros conciertos para preguntarnos quién es Emma (por el título del disco de Bon Iver en solitario, “For Emma, forever ago”). Pero igualmente, eso no afecta en nada a nuestra relación con Justin, nos llevamos muy bien con él. De hecho, estuvimos de gira con él el verano pasado y creo que ha sido nuestro tour favorito.

Esta entrevista se publicó en el número de marzo de Go Mag

Entrevista a Spoon

2010-07-16T12:03:00.001+02:00

Pues sí, ya estoy un poquito más cerca de poderme morir en paz. Ésta es la entrevista que le hice a Jim Eno, batería de Spoon, en los alrededores del Fòrum durante el Primavera Sound.

ENTREVISTA SPOON - WAAAU.TV from WAAAU.TV on Vimeo.

Barricade, lo nuevo de Interpol

2010-07-12T20:19:00.003+02:00

Interpol, que sacan su nuevo disco homónimo el 7 de septiembre, nos adelantan un nuevo single de su esperado cuarto trabajo. Ya pudimos escuchar y ver el vídeo (e incluso descargarlo) de "Lights". Ahora es el turno de "Barricade".

Clica aquí para escucharlo.

Colin Farrell hará de Ozzy Osbourne

2010-07-07T11:36:00.002+02:00

Como lo leéis: el irlandés más pibón de todos los tiempos muy probablemente represente el papel del Príncipe de las Tinieblas en una biopic que aún no ha empezado a rodarse. El propio ex-Black Sabbath dejó claro que no quería que el protagonista fuera "ni Johnny Depp ni nadie de las pelis de los Hobbits". Así que la primera opción ahora mismo es Colin. Un portavoz de Ozzy se ha mostrado deseoso de fichar al actor, ya que "Colin bebe, fuma y es mujeriego: está a un tatuaje de ser una estrella del rock de verdad".

Exsonvaldes, la revolución francesa

2010-07-05T17:03:00.002+02:00

Por si hay algún despistado que todavía no los conozca, aquí va un telegrama: cuarteto parisino, cantan en inglés, presentan su segundo disco de estudio “Near the edge of something beautiful”, beben de Nirvana, Radiohead y Death Cab for Cutie y les encantan las hamburguesas y los parques. Ahora ya estáis preparados para dejaros enamorar por Exsonvaldes, que han empezado, a paso lento pero firme, la conquista de nuestro país.

Para leer el artículo completo, clica en la foto.

Esta artículo aparece en el número de julio-agosto de Calle 2o

Skunk Anansie y Hurts vuelven a España

2010-07-01T15:15:00.003+02:00

Enterarme el mismo día de los conciertos en Barcelona de Skunk Anansie y Hurts no está siendo en absoluto bueno para mi salud. Ni para mi bolsillo.

Hurts, que además han anunciado ya título y fecha para su primer álbum ("Happiness", 23 de agosto), visitarán el 26 de octubre La [2] de Barcelona y el 27 la madrileña sala Joy Eslava.

Un poco más tarde lo harán los chicos de Skin, que aterrizarán en Madrid el 9 de febrero para tocar en La Riviera y el 11 se subirán al escenario de Razzmatazz en Barcelona.

Tema del día: FOALS - Miami

2010-06-30T10:58:00.002+02:00

Temón temón. Eso sí, ¿alguien sabe por qué en el vídeo aparecen culturistas, travestis y pilinguis peleándose?

Primavera Sound 2010

2010-06-28T21:11:00.004+02:00

La décima edición del San Miguel Primavera Sound será recordada como la del llenazo. Más de cien mil personas poblaron el Fórum durante los tres días que duró el Festival y no me extraña, porque el de este año era un cartelazo como pocos. El gran problema que se planteaba, claro, era el de la elección. Con tanto grupazo, más de uno se solapaba y uno tenía que sopesar sus preferencias y prepararse cuidadosamente un horario del que más tarde acabaría pasando para dejarse llevar por las apetencias del momento, la compañía o vete tú a saber qué.

JUEVES

Así empezó el jueves, con un horario trazado por encima alrededor de los The XX. En previsión del petamiento monumental del escenario Ray Ban, llegué al recinto con tiempo y pude disfrutar del final de la actuación de los Surfer Blood, que además de hacer un rock surfero la mar de fresquito, resulta que son super monos. Los siguientes en subir al escenario Pitchfork fueron Titus Andronicus. Todo el mundo me había hablado tan bien de ellos que me picaba la curiosidad y, sin duda, fue una de las actuaciones más enérgicas del festival. Con su colección de temas de punk ruidoso consiguieron hacer bailar a todos los allí congregados, un gran mérito teniendo en cuenta que más de la mitad de la gente no sabía ni quiénes eran.

Y llegó el highlight del día: la gente empieza a dirigirse desde todos los puntos del festival hacia el escenario Ray-Ban, llenando antes de las 21.15 tanto la pista como las gradas. La lástima es que The XX no son un grupo preparado para grandes festivales ni grandes audiencias, al menos no por ahora. El hecho de tocar al aire libre y en uno de los escenarios más grandes hizo flaquear su actuación, que pecó de sosilla a ratos. Al término de este concierto nos esperaba en el otro escenario grande, el San Miguel, un retorno noventero que se había visto eclipsado por el comeback de Pavement, pero que, ironías de la vida, acabó eclipsando el concierto de los de Stephen Malkmus, que subirían al mismo escenario tres horas más tarde. Y es que el cuarteto de Carolina del Norte, sin tanta propaganda ni tantísimo renombre, acabó conquistando a los asistentes por derecho propio con temones como “Drive by the driveway”. Cuando acabaron, tocaba volver al Pitchfork donde los ingleses Wild Beasts presentaban un segundo disco con la excéntrica y aguda voz de Hayden Thorpe como protagonista. Un gran concierto. No esperaba menos de ellos. Y The Big Pink, tras ellos, no bajaron el listón. El dúo se subió al escenario acompañado de dos músicos y dio rienda suelta a su pop shoegazer con toneladas de distorsión para hacernos felices desde un inicio triunfal (“Velvet”) a un final glorioso (“Dominos”), que hizo que valiera la pena llegar tarde a Pavement. Pavement, por su parte, repasaron todos sus hits y dejaron más que satisfecho a un público que ya tenían en el bolsillo de antemano.

VIERNES

Si os preguntáis por qué me volví tan pronto el jueves, la respuesta es doble: en primer lugar, ¡algunos trabajamos! Y en segundo lugar, un nombre propio: Owen Pallett, El señor Pallett tocaba al día siguiente en el Auditorio Rockdelux ni más ni menos que a las 4 de la tarde y yo no pensaba perdérmelo por nada del mundo. Al final, con tanto frikismo previsor, acabé esperando dos horas y entrando la tercera al teatro, pero la espera valió la pena y no exagero si digo que el del Owen fue el mejor concierto de mi Primavera (ya se sabe que cada uno tiene su propio Primavera y que de poco sirve discutir o cotejar experiencias si lo que uno quiere es alzarse con la verdad absoluta).

El canadiense se mostró tímido y agradecido por un Auditori a reventar a primerísima hora de la tarde. Cual hombre orquesta, él solito se guisó un concierto que ya quisieran muchos para sus bandas: teclado y violín en ristre, pedalera de loops mediante, Owen se las apañó para tener él solito embobado al personal durante una hora. La sensibilidad de este chico en directo se contagia y temas como “Lewis takes off his shirt” o “The great elsewhere” pusieron la piel de gallina a todos y cada uno de los asistentes e hicieron a más de uno soltar la lagrimilla. Y luego lo remató con una versión BRU-TAL de “Odessa” de Caribou. ¿Que no te lo imaginas? Pues dale al play aquí abajo, porque yo no soy capaz de describirlo en palabras:

Salgo del Auditori flotando en una nube de crescendos de violines y aterrizo en el césped del escenario San Miguel para disfrutar tranquilamente a los New Pornographers. El concierto empieza tranquilote pero va ganando fuerza a medida que las canciones pasan y acabamos todos de pie bailando y saltando al ritmo de “Moves” y “Your hands (together)”. El viernes el escenario San Miguel monopoliza las grandes actuaciones así que decidimos permanecer en él guardando nuestro sitio para ver a Spoon. Oh, Spoon. Los adoro y con razón. De principio a fin lo dieron todo y ensartaron hitazo con hitazo, combinando temazos nuevos (“Got nuffin”, “Written in reverse”) con joyas antiguas como “Don’t make me a target”, “I turn my camera” o la fantástica “The way we get by”. NAntes de dejarnos enamorar por Wilco, nos escapamos un ratito a ver a unos Here We Go Magic más bien flojetes, que se han dejado la energía en casa y nos convencen de que será mejor ir tirando hacia Wilco para hacernos con un buen sitio. Wilco empiezan a lo grande, con un “Wilco (the song)” y un “I am trying to break your heart” que erizarían la piel del más desalmado. Canción tras canción van ahondando en nuestros interiores, depositando un poquito de esa angustia existencial que se le queda a uno cuando escucha canciones tan tristes y tan inmensas a la vez como “Jesus, etc”. Y me supo fatal tener que hacerlo, pero abandoné la zona San Miguel para poder llegar a tiempo a Panda Bear, que al final salió 20 minutos tarde por problemas técnicos que le obligaron a actuar sin proyecciones ni visuales ni -¡horror!- capas de sonido. Todo ello, sumado al sonido del escenario Vice (que dejó mucho que desear durante todo el festival), deslució la actuación del Animal Collective, que resultó lineal y carente de profundidad. Una lástima, porque los nuevos temas podían haber sido un bombazo si la situación y el sonido les hubieran acompañado. La decepción provoca una desbandada general hacia Pixies: el LLENAZO (así, en mayúsculas) del festival.

Jamás (y digo JAMÁS) había visto tan lleno el escenario principal del Fórum. No cabía ni un alma, hasta el césped colindante estaba abarrotado. Y habréis leído por ahí que si fue una actuación sin alma, que si tocaban sólo por la pasta, que si predecible. Pues vale. Pero para servidora, que no había tenido la ocasión de verlos en concierto en toda su vida, fue un conciertazo. Y si no, decidme un solo concierto en el que se puedan oír temazos de la categoría de “Debaser”, “Here comes your man”, “Gigantic” o “Hey” todos juntos. Y “Where is my mind” como bis y fin de fiesta fue lo que Enrique Iglesias definiría como una experiencia religiosa.

SÁBADO

Último día del festival y, como era de suponer, el cuerpo no permite acercarse al recinto tan pronto como uno desearía. Así, dejándome a Dinero y a la revisión de los temas de Neu! en el tintero, me dejo caer a las 20h por el escenario Adidas para ver por primera vez en mi vida (sí, lo sé, es casi un pecado viviendo aquí…) a los barceloneses Mujeres. Garage-rock gamberro y una puesta en escena brutal les ha valido a este cuarteto el sobrenombre de los “Black Lips de Barcelona”, y con razón. Luego, tras sopesarlo y jugármelo a piedra, papel y tijera, Standstill gana a Florence and the Machine y me quedo en el Adidas para el que será uno de los conciertos más emotivos de todo el Primavera. La lástima es que colocaran a los de Montefusco en un escenario tan pequeño y tan tremendamente bajo (¿alguien consiguió ver algo más que las cabezas de los componentes del grupo?), porque llenaron hasta los topes y demostraron que las buenísimas críticas que han recibido con “Adelante Bonaparte” no son fruto del hype o la casualidad.

Otro piedra papel y tijera por los cruelísimos solapamientos del Primavera me hizo decantarme por los Grizzly Bear en detrimento de The Drums. Un espectáculo sobrio pero bonito que llenó de magia el escenario Ray-Ban. Mención especial a “Two weeks”: pelos como escarpias. Tras los osos, llegaba el momento de dispárame-antes-de-tener-que-elegir, porque el siguiente bloque de conciertos separaba en diferentes escenarios pero a la misma hora a: The Charlatans, No Age, Built to Spill, Matt & Kim y Niño y Pistola. ¡Matadme, por favor! Confié en mi instinto y me falló: The Charlatans ofrecieron un directo de lo más aburridote, y eso que el que repasaban (“Some Friendly”) era uno de los mejores álbumes de su discografía. Aguanté 3 canciones antes de migrar siguiendo el instinto (más acertado) de un amigo, que me llevó al Vice con Matt & Kim. Y si digo que fue el concierto revelación y el más divertido del fin de semana, me quedo corta. Menudo festival se montaron estos dos solitos. Solitos pero con un público que, a medida que avanzaba el concierto, aumentaba en número y excitación. Kim se lanzó para que el público la cogiera, versionaron temas de -¡flipa!- Alice Deejay, Guns’n’Roses y Europe y dejaron para el postre su temón “Daylight” (que a muchos les sonará por estar en la banda sonora del Fifa 2010). Y con ellos entrábamos de lleno en la madrugada de la última noche del festival, cuyos protagonistas fueron, sin lugar a dudas, los Pet Shop Boys.

Todos sacamos nuestro lado más gayer y hooligan para corear estribillos míticos como el de “New York City Boy”, “Se a vida" o “West End girls” en un espectáculo deslumbrante con bailarinas cubistas, efectitos mil, luces, colores y cambios de vestuario para el dúo, por el que el tiempo no había pasado. Y, con la lagrimita en los ojos y los pies machacados, me dirigía hacia el último concierto de mi Primavera. Para contrarrestar el sentimiento kitsch de la fabulosa actuación de los PSB, mi yo más moderno me obligó a ir a HEALTH. Y, aunque al principio maldije mi modernidad, aguanté el chaparrón y finalmente llegó la melodía y con ella un nuevo aire para un concierto que fue una locura maravillosa plagada de ruido, guitarrazos, cabezas agitándose, rock, electrónica y ritmos cambiantes e imposibles. Un fantástico caos que ponía el punto y final a tres días igualmente eclécticos, caóticos y maravillosos.

Puedes leer esta crónica en Inzona

Hot Chip, en el sofá y en la pista

2010-06-28T20:44:00.005+02:00

Hot Chip han vuelto y lo han hecho con su disco más popero hasta la fecha. Letras romanticonas, melodías pulidas, sonidos limpios... Este quinteto inglés ha puesto el freno a la locura iniciada en “Made in the dark” y ha decidido hacerse mayor, pero sin abandonar por ello las pistas de baile. Hablamos con Alexis Taylor.

¿Música para hacer la colada?: “Bueno, cuando dijimos eso de que “One life stand” es tan apropiado para la pista de baile como para hacer las tareas del hogar, lo que queríamos decir es que puedes escuchar nuestra música cuando y donde te apetezca, ya sea en la calle, en casa o en la discoteca. Funciona bien en cualquier contexto”.

Diferencias con trabajos anteriores: “Más que cambios, yo creo que nuestra música ha tenido una progresión natural. Nuestros cuatro discos son muy diferentes entre ellos pero, sin embargo, tienen una esencia similar. En este álbum queríamos conseguir un sonido más conciso, más pulcro”.

Pop: “La gente piensa en el “pop” como una palabra sucia, cuando la mayoría de grandes álbumes son pop en cierta medida. De hecho, todos los grandes discos han nacido con cierta voluntad pop. Todo aquél que hace música, incluso el artista experimental o underground, tiene algún interés por la melodía, aunque luego no la use. Así que nuestra aspiración en cada disco siempre ha sido la de hacer álbumes pop”.

Letras: “Creo que nuestras letras siempre han sido personales, sólo que en cada ocasión hemos explorado diferentes áreas: ya sea el humor, la rabia o el amor. Lo que sí que creo es que en este álbum son más honestas”.

Influencias: “En esta ocasión no nos hemos fijado tanto en cosas externas, sino que nos hemos centrado en hacer nuestra propia música. Y supongo que eso ha hecho emerger nuestras influencias más profundas, de las que a lo mejor ni éramos plenamente conscientes. Una influencia destacable creo que ha sido la música dance de los 90”.

Grupos actuales: “Me gustan muchos: Kindness, Casiokids, The XX, Dirty Projectors...”.

Coachella: “Ya hemos tocado allí dos veces y este año volvemos a tocar. Siempre hace mucho calor y yo siempre tengo que esconderme en cada sombra que voy pillando hasta que llega el momento de salir al escenario”.

Fechas en España: “No sé nada de mi propio tour, qué triste... Pero espero que sí que vayamos a España”.

Podéis encontrar esta entrevista en el número de marzo de Neo2

Two Door Cinema Club: este cine es una fiesta

2010-06-07T10:29:00.000+02:00

¿Que no sabes dónde está Bangor? Pues más te vale irte aprendiendo bien la geografía de Irlanda del Norte, porque empieza a ser un punto neurálgico del indie rock rompepistas. Desde este puerto de la costa Este llega este trío con nombre de cine mal escrito. “La culpa es de Sam [guitarra]. Hay un pequeño cine cerca de Bangor llamado Tudor Cinema. Cuando estábamos pensando nombres para el grupo, se le ocurrió Two Door Cinema Club. A Alex y a mí nos gustó, pero cuando le preguntamos que de dónde lo había sacado nos dimos cuenta del error”, explica Kevin Baird, bajista del grupo. Aún así, mantuvieron el nombre e iniciaron su aventura justo cuando el underground musical de Irlanda del Norte empezaba a despegar. “Siempre ha habido grandes bandas en Irlanda del Norte”, puntualiza Kevin, “lo que pasa es que con Myspace, Facebook y demás es más fácil hacerte oír. Pero, sí, el panorama es especialmente vibrante y colorido desde hace un par de años: Japanese Popstars, Kowalski, Cashier No.9, And So I Watch You From Afar…”. Y en esta escena dieron sus primeros pasos, dispuestos a hacernos bailar… sin batería. “Al principio era porque no conocíamos a nadie que quisiera tocar la batería para nosotros. Pero con el tiempo hemos aprendido a aprovechar al máximo las posibilidades del ordenador y nos encanta. Igualmente, en directo también llevamos a un batería de carne y hueso, además del portátil”.

Two Door Cinema Club se definen como un grupo de “electropop mezclado con indie, rock y dance”, y la verdad es que, salvando la vaguedad de cualquier etiqueta, por ahí va la cosa: ritmos frescos e imparables plagados de melodías contagiosas y guitarras afiladas. No es de extrañar que en cuanto los oyó, el sello Kitsuné (casa de gente como Delphic o La Roux) les echara el guante: “Nos escucharon, les gustamos, después nos conocimos en Londres y luego participamos en una fiesta que montaron en París. De eso a entrar en el recopilatorio, la progresión era natural. Tras esto, dos singles y finalmente el álbum”. Este álbum debur, “Tourist History”, rescata tres canciones de su brillante EP “Four words to stand on” y le suma siete temas más. Los diez cortes discurren por senderos vitalistas y luminosos que se dirigen, sin rodeos, a la pista de baile. Desde el bajo elástico de “What you know” hasta el ritmo juguetón de “Cigarettes in the theatre”, pasando por el ultrahit “I can talk” o la dulzura de “Something good can work”, este álbum lo tiene todo para colarse en las mesas de los djs de medio mundo.

Puedes encontrar este artículo en el número de febrero de Go Mag

Tachenko: el estribillo perfecto

2010-06-07T00:36:00.000+02:00

Tachenko nació con el estigma y la bendición de ser el spin-off de El Niño Gusano. Once años más tarde, nadie discute ya que la singladura de estos cuatro zaragozanos con pseudónimo soviético ha tomado otros derroteros. Sergio Vinadé y los suyos presentan su cuarto álbum de estudio, “Os reís porque sois jóvenes”, con el que cabalgan hacia un horizonte pop cada vez más luminoso, y por el camino nos van dejando melodías tan bonitas como “Compañeros del metal” y estribillos colosales como el de “Escapatoria”. Da gusto tenerlos de vuelta.

En vuestro anterior disco cantabais “No somos muy normales, pero nos salva la actitud”. ¿Os habéis vuelto más normales ya o seguís tirando de actitud?

Sebas Puente: No, básicamente seguimos igual. Un poco anormales pero con un poco más de actitud, y de aptitud.

¿Cómo ha sido la mini gira española como banda de Mica P. Hinson?

SP: Gloriosa, tanto los conciertos como el día a día con Micah, genio y figura.

Sergio Vinadé: Y ha sido una forma de vernos a nosotros mismos diferente a la habitual.

Y del título del nuevo álbum, ¿qué me podéis contar? ¿Sólo los jóvenes e inconscientes ríen en los tiempos que corren?

SP: Como casi siempre, es una frase cazada al vuelo en un bar por la noche. Pero, también sugiere más cosas de las que a primera vista pudieran suponerse.

SV: Creo que la ambigüedad del título es parte de su significado. La risa es lo mejor de la vida, todo en la vida debe tomarse con cierto sentido del humor.

“Os reís porque sois jóvenes” ha sido mezclado en Los Ángeles por Alfonso Ródenas y masterizado también allí con Joe Gastwirt. Esto son palabras mayores...

SP: Con Alfonso tuvimos un contacto constante vía e-mail, iba mezclando las canciones y enviándonos pruebas para que corrigiésemos. Pero no había casi nada que corregir, nos pilló el punto inmediatamente. ¿Qué le vamos a decir nosotros a alguien que tiene un Grammy? Una vez que la mezcla estuvo lista, la masterización, llevada a cabo por un monstruo como J. Gastwirt, fue coser y cantar.

Las letras las escribe Sebas y las canta Sergio. ¿Cómo conseguís que siempre encaje bien y no suene postizo lo que se canta?

SP: No siempre es así: cuando canto yo voy haciendo la melodía y la letra a la vez. Siempre he tenido la impresión de que cuando una melodía es buena la letra sale fácil, y las melodías de Sergio siempre son muy buenas. De hecho yo aprendí a montar las canciones observándole a é-. Y si bien es cierto que yo soy el autor de las letras, creo que en las que canto yo son más directas, y en las de Sergio me salen como más psicodélicas, como él.

En cuanto a vuestras armonías vocales he leído por ahí que son más inspiradas en grupos españoles como 091 que en los años 60. Pero en general, ¿cuáles son vuestras mayores influencias?

SP: Sergio aprendió a hacer armonías vocales escuchando a 091, pero siempre hemos escuchado a The Kinks, The Byrds y The Small Faces. ¿Mayores influencias? Para mí, el pop de los 60, muchísimos grupos de los noventa, Los Rodríguez...

SV: Siempre pop y si es un poco psicodélico, pues mejor. Para este disco he escuchado mucho a Midlake, The Coral, Richard Hawley... Y, aunque nuestras canciones nada tienen que ver con ellos, sí que son parte del tamiz mental por el que pasan las órdenes.

Decidme un par de discos de 2009 que os hayan encantado.

SP: The Pains of Being Pure at Heart y "El Incendio" de Sidonie.

SV: “Logos" de Atlas Sound y "Inside the human body" de Ezra Furman and the Harpoons

¿Qué opináis del panorama actual del pop español? ¿Algún grupo que os guste especialmente?

SP: Big City, Bigott, Joe Crepúsculo, Nixon, La Habitación Roja, Los Planetas...

SV: Yo soy muy fan de Lori Meyers.

SP: ¡Y yo!

Un día, hace muchos años, dijisteis que buscabais el estribillo perfecto. ¿Lo habéis encontrado ya?

SP: ¿Eso dijimos? Qué majos que somos... No, no lo hemos encontrado. Pero para mí, la canción "My mind's eye" de Small Faces es toda un estribillo perfecto ininterrumpido.

SV: No, ni espero encontrarlo. Sólo espero en la búsqueda dejar melodías bonitas.

¿Por qué escogisteis como nombre a un jugador de baloncesto ucraniano? ¿No sois más de fútbol?

SP: Sí. Igual nos podríamos haber llamado Mostovoi o Karpin, pero somos así, contradictorios. No, en serio, el nombre se lo puso Andrés Perruca, el primer batería de Tachenko, ultrafan de la Unión Soviética.

Así como en vuestro segundo largo las referencias futbolísticas eran un denominador común en la mayoría de canciones, ¿ha habido algún tema especialmente inspirador para este nuevo álbum?

SP: La oscuridad y las jóvenes.

SV: Las jóvenes y la oscuridad.

Podéis encontrar esta entrevista en el número de febrero de Go Mag

Tema del día: 80KIDZ - Frankie

2010-04-15T14:50:00.002+02:00

Después de una larga ausencia por temas informáticos y laborales, el blog del Mono Bipolar vuelve y vuelve muy on fire. Para empezar un temón para ir encarando el fin de semana. Y para seguir, próximamente un montón de entrevistas a grupazos, críticas de discos chulos y alguno abominable y todas esas cosas.

De momento nos quedamos con "Frankie", de los 80 Kidz.

Two Door Cinema Club - entrevista

2010-03-16T16:55:00.004+01:00

¿Que no sabes dónde está Bangor? Tranquilo, es normal. Pero más te vale irte aprendiendo bien la geografía del Norte de Irlanda, porque empieza a ser un punto neurálgico del indie rock rompepistas. Desde este puerto de la costa Este norirlandesa llega este trío dispuesto a hacernos bailar… sin batería, pero con guitarras afiladísimas, ritmos programados sin tregua y melodías contagiosas a más no poder. Si crees que Bloc Party están perdiendo fuelle, que Foals chillan demasiado o que Phoenix son demasiado french… prueba con Two Door Cinema Club y dime si el mundo no es un lugar maravilloso. Éste puede ser el año de TDCC y hemos hablado con su bajista, Kevin Baird, para que nos cuente de qué va todo esto.

¿Cómo se formó Two Door Cinema Club?

Pues nos conocíamos desde antes pero supongo que empezamos a ser amigos y escribir música juntos alrededor de los 15 años, en el instituto. Nos gustaban los mismos grupos y todos tocábamos la guitarra, así que lo de formar un grupo surgió como algo bastante natural.   Todos tocabais la guitarra y ninguno la batería. Así que no fue algo premeditado eso de no tener batería y usar un portátil con ritmos programados…

Todos tocabais la guitarra y ninguno la batería. Así que no fue algo premeditado eso de no tener batería y usar un portátil con ritmos programados…

Bueno, al principio era porque no conocíamos a nadie que quisiera tocar la batería para nosotros. Pero con el tiempo hemos aprendido a aprovechar al máximo las posibilidades del ordenador y nos encanta. Igualmente, en directo también traemos a un batería de carne y hueso con nosotros, además del portátil.

 ¿Y de dónde viene vuestro nombre?

La culpa es de Sam. Hay un pequeño cine privado cerca de Bangor llamado Tudor cinema. Cuando estábamos pensando nombres para el grupo, se le ocurrió Two Door Cinema Club. A Álex y a mí nos gustó, pero cuando le preguntamos que de dónde lo había sacado nos dimos cuenta de que no sabía leer: ¡había cambiado Tudor por Two Door! Jajaja.

Japanese Popstars están siendo una revelación estos días, And So I Watch You From Afar empiezan a ser escuchados, vosotros estáis teniendo mucho éxito con Kitsuné y 'I Can Talk'... Parece que el panorama musical norirlandés vuelve a estar en plena efervescencia, ¿no?

¡Sí, por supuesto! De hecho, no es algo nuevo que haya grupazos en Irlanda del Norte, pero supongo que con Myspace, Facebook y demás es más fácil hacerte oír.

¿Y cuáles son vuestras bandas norirlandesas favoritas?

Muchas. La escena en Belfast es especialmente colorida y vibrante. Nos encantan Kowalski, Panama Kings, Cashier No.9, SixStarHotel, And So I Watch You From Afar…

Antes hablábamos de Kitsuné. ¿Cómo sucedió eso de que os incluyeran en su compilación?   

Pues nos escucharon por primera vez en algún lugar, después nos conocimos en Londres y luego participamos en una fiesta que montaron en París. De eso a entrar en el recopilatorio, la progresión era natural. Y luego, dos singles y ¡el álbum!

¡Eso! Háblanos del álbum. ¿Debemos esperar algo en la estela del EP “Four Words to Stand On?”

 El álbum ya está listo y preparado para ser lanzado en breve. En él hay algunas canciones del EP pero es sin duda un gigantesco paso adelante. Claro, el EP nos lo autoprodujimos, mientras que para el álbum hemos trabajado con productores de fama mundial en estudios molones… jejeje. Nos encanta cómo ha quedado, estamos muy orgullosos.

¿Cómo definirías el estilo de este nuevo trabajo?

 Ésta es difícil, ¿eh? No nos gusta encasillarnos en géneros, pero probablemente sea algo parecido a electropop mezclado con indie, rock y dance.

¿Y qué música habéis estado escuchando últimamente?

Yo, personalmente, The XX, Wild Beasts, Phoenix y Local Natives.

Puedes encontrar esta entrevista en el número de febrero de H Magazine

"No distance left to run: a film about Blur"

2010-03-16T16:15:00.002+01:00

Justo después de ver este documental he hecho un complejísimo ejercicio sociológico: introducir en la casilla de búsqueda de Facebook “(nombre de banda aleatorio) + sucks”. Tras buscar una veintena de nombres (que incluían desde Franz Ferdinand hasta Animal Collective, pasando por, ojo, los Beatles), el único que se ha salvado de la furia cibernética es Blur. Ni siquiera Damon Albarn protagoniza ningún grupo de odio 2.0, y eso que durante la primera mitad de “No distance left to run” dan ganas de darle alguna que otra colleja para que se relaje. Y es que sus directores, Dylan Southern y Will Lovelace, nos muestran a los cuatro miembros de Blur tal como son, con sus virtudes y sus defectos. Y lo hacen entrelazando con especial maestría material de archivo inédito y nuevas entrevistas e imágenes, tomadas en la gira de reunión del grupo el verano pasado. Otra gran baza es que la historia la cuentan los propios protagonistas. La ausencia de narrador externo acerca al espectador todavía más a la banda, si bien la objetividad sale un tanto resentida. Esto resulta en momentos de sinceridad aplastante (cuando Graham confiesa que intentó suicidarse tirándose por una ventana o cuando habla de su alcoholismo), mientras que otros temas se pasan de puntillas, como la adicción a la heroína de Damon, plasmada en “Beetlebum”.

El documental también trata la rivalidad con Oasis, a quienes Damon califica de “matones de instituto”. Eran los tiempos del auge del britpop y Damon Albarn logró erigirse en su mayor estandarte volviéndose “insolentemente británico”, en palabras de Alex James. Pero, a pesar de ser su época más mediática, “The great escape” también marcó el comienzo de una crisis interna del grupo, cada vez más perjudicado por sus demonios personales. Este declive culminó con el abandono de Graham (que ingresó en rehabilitación) y un más bien pobre “Think Tank”. De ese momento al glorioso concierto de Glastonbury pasan 7 años, 7 años de deterioro de una aventura y una amistad que merecían otro final. Y ese final no podía ser otro que la reconciliación de Graham y Damon cantando a dúo “Tender” con 50.000 personas coreándola. Entre eso, la imagen de Damon rompiendo a llorar en el escenario y los épicos fotogramas a cámara superlenta que abren y cierran el largometraje, no queda duda de que ésta es una de las historias más emocionantes del pop de las últimas décadas.

Puedes encontrar esta reseña en el número de febrero de Go Mag

Arctic Monkeys @ Sant Jordi Club, 6/2/2010

2010-03-16T16:04:00.002+01:00

Qué queréis que os diga, a mí “Humbug” me decepcionó bastante en su momento. Y, aunque aún comulgo más con “I bet you look good...” que con “Crying lightning”, este concierto me convenció de que estos chicos saben lo que se traen entre manos. Con el Sant Jordi Club lleno a reventar y con el ambiente caldeado por unos más que correctos Mystery Jets, los de Sheffield salieron a darlo todo. Y menos mal, porque ya empezaba a cansar la frialdad con la que los Arctic Monkeys despachaban sus conciertos. Pues bien, parece que “Humbug” ha marcado el comienzo de una nueva era en todos los sentidos. Lejos quedan ya aquellas pintas de modernetes británicos, aquellos setlists basados en la tralla, aquel glorioso halo de “band to watch” a punto de triunfar. Los chicos de Alex Turner ya se saben los amos del cotarro y presentaron en Barcelona un show sustentado a partes iguales en sus clásicos acelerados, sus nuevos e intrincados medios tiempos y, por primera vez, sí, espectáculo. Con cañones de confetti y todo. Desde el apoteósico cóctel inicial de “Dance little liar” + “Brianstorm”, el amago de final con una “Secret door” engrandecida y los bises con “Fluorescent adolescent” rematado por una emocionantísima revisión de “505”, una salió con el convencimiento de que te lleven donde te lleven, a estos monos hay que seguirlos con los ojos cerrados.

Puedes encontrar esta crítica en el número de febrero de Go Mag

Spoon - Transference

2010-03-16T15:59:00.002+01:00

El trasfondo experimental y la variedad en la extensión de sus canciones (que oscilan entre ejercicios de casi 6 minutos y cortes de apenas 2) acercan el nuevo trabajo de Spoon a su debut, “Telephono”. Pero no vayan todavía a por el bicarbonato, que este disco resulta bastante más fácil de digerir. De hecho, la gran cualidad de Spoon es la de combinar melodías que entran a la primera con un sonido más complejo y minoritario. Así se pasean de la manita temazos directos y cortantes como “Is love forever?” con experimentos más intrincados como “I saw the light”, que pasa de unos muros de distorsión guitarreros a limpios acordes de piano en apenas unos versos. Lo que está claro es que “Transference” es un álbum mucho menos inmediato que sus predecesores, con más atención al detalle y voluntad de evolucionar. Probablemente no hayan escuchado nada demasiado parecido a “The mystery zone” o “Got nuffin” en el catálogo de estos tejanos y seguramente les encanten. Igual que les seguirá encantando la apasionante voz de Britt Daniels y ritmazos como el de “Written in reverse”, que me recuerdan por qué guardo como oro en paño la baqueta que me dio Jim Eno en el Wintercase.

Puedes encontrar esta reseña en el número de febrero de Go Mag

El mono vuelve a la carga

2010-03-16T15:46:00.003+01:00

Disculpad por la inactividad. Han sido unas semanas de caos tecnológico en el que he conseguido petar no uno, sino dos ordenadores. Afortunadamente, todo esto ha pasado... ¿cuánto me durará este MacBook? Seguid este blog y lo sabréis.

De regalo por vuestra paciencia, el nuevo tema de Foals, "Spanish Sahara".

Adam Green: handsome music

2010-03-01T18:28:00.002+01:00

Adam Green es esa clase de tipo que, si no entiendes lo que canta, te parece la mar de elegante: esa voz tan grave, esas melodías con aplomo de crooner que está de vuelta de todo... Es cuando prestas atención a sus letras sobre anos y flatulencias cuando te das cuenta de que quizá no estás ante un Leonard Cohen rejuvenecido, ni falta que hace. Al otro lado del teléfono, Adam reflexiona sobre su carrera, suelta alguna barbaridad y se ríe muy flojito, como suenan las palmas de las manos al frotarse en los días de frío.

Una vez dijiste que encuentras el equilibrio en la combinación de mujeres, drogas y soledad. ¿Sigue siendo así?

Sí, sólo que las chicas son las drogas ahora, y la droga es la soledad.

¿Cómo explicarías a alguien que no te conoce quién es Adam Green?

Es difícil, porque uno se mueve tanto, cambia tanto, que la definición de sí mismo está constantemente variando. De hecho, hasta hace unas horas tenía una ligera idea de quién era ayer, pero ahora creo que estaba completamente equivocado (risas). Es difícil extraer una identidad propia, y más cuando estás de gira, porque es como si cada día te estuvieras viendo a través de los ojos del resto de la gente.

¿Cómo te sientes ahora que el proceso de creación ha terminado y “Minor love” ya está en la calle?

No lo sé, pero me gusta imaginar que en realidad no lo he hecho yo. De esa manera me siento capaz de cantar como si cantara las canciones de un gran maestro (risas). Si realmente me creyera que lo he hecho yo, seguramente me quedaría en casa y no saldría a cantarlo por ahí.

En general, este trabajo suena más maduro, más reflexivo, incluso más serio que tus anteriores discos. ¿Qué opinas al respecto? ¿Es algo que te planteaste al crearlo o simplemente salió así?

La verdad es que no entiendo por qué la gente lo ve más serio. Yo llevo haciendo cosas muy serias y responsables desde que era un niño. Llevo dando conciertos desde que tenía 18 años y ya entonces tenía un montón de responsabilidades. Así que en realidad dudo que alguna vez haya sido el mocoso que la gente creía que era. Llevo mucho tiempo en el mundo del artisteo, por eso no creo que haya cambiado tanto. Siempre he sido un tipo sensible, lo que pasa es que hago mucho uso de la ironía y a veces me pongo máscaras, ¿sabes? Voy de macho-man cuando en realidad el que hace las mamadas soy yo. (risas)

Hace poco dijiste en una entrevista para Spinner que tu divorcio ha tenido un fuerte impacto en las canciones de este álbum. ¿En qué sentido ha influido en el proceso de composición?

Bueno, la mayoría del disco fue escrito desde esa sensación de que las cosas no estaban yendo bien, una “sensación subyacente de disfunción romántica”, como creo que dije a los chicos de Spinner. Creo que ésa es la esencia del álbum. Pero, vamos, ésa es la esencia de la mayoría de mis canciones... Igualmente no creo que éste sea uno de los típicos “álbumes de divorcio”.

¿Cuál es tu canción favorita de “Minor love”?

En directo es muy divertido tocar “Goblin”, es muy rítmica y me lo paso muy bien. También me gusta mucho “Cigarette burns forever”, y “Stadium soul” también es una canción muy guay. En cualquier caso, no creo que este álbum haya que escucharlo como una colección de singles, sino que es mejor sentarse y escucharlo entero, que, total, sólo es media hora. Es un álbum que transmite un estado de ánimo. Supongo que por eso mucha gente se piensa que es un disco conceptual, cuando en realidad no era ésa mi idea. De hecho, es posible que en cierta medida haya sido manipulado por la discográfica para tener pinta de conceptual, porque yo grabé muchísimas canciones y la compañía escogió unas cuantas para meterlas en el álbum. Pero si la gente escuchara esas otras canciones que no han entrado en “Minor love” vería que son totalmente diferentes. Hay un montón de canciones sobre cocaína, sobre la naturaleza de ser una celebrity...

¿Y podremos escuchar algún día estas canciones?

Pues la verdad es que me gustaría mucho poderlas sacar en un 7”, un 10” o un EP, pero no está en mis manos. De todas formas, aparte de esas canciones, también he estado escribiendo música para la obra de teatro alemana llamada “Timbuktu”, basada en una novela de Paul Auster, y es completamente instrumental. De hecho, es básicamente música clásica, no tiene nada que ver con el mundo del indie rock. Y, aunque era mi primera vez, me gustó mucho y me gustaría volver a hacerlo. Incluso me atrevería a decir que ha sido mi mejor álbum hasta la fecha. Y mi segundo mejor álbum, “Minor love”, claro.

¿Y qué hay de “Oh shucks”? Este tema suena bastante diferente al resto del álbum, es más ruidoso, y quizá rompe un poco con esa sensación de sosiego y calma que se respira en todo el álbum.

“Oh shucks” está basada en el tema de The Moldy Peaches “New York is like a graveyard”. Me gustaba la idea de intentar versionarla. Y sí que es diferente al resto, y eso se puede interpretar de manera positiva y negativa. Aunque sí que es cierto que si yo estuviera escuchando el disco, probablemente pasaría esa canción. Creo que es una buena canción y que refleja bien el momento en que fue compuesta, pero quizá no debería estar en este álbum. No lo sé. Como te decía antes, tenía un montón de canciones y no fui yo quién escogió qué entraba en el disco y qué no.

¿Cómo ha sido trabajar con Rodrigo Amarante de Little Joy para este último disco?

Buah, genial. Es el mejor, el mejor del mundo. (Risas) Es una de mis personas favoritas, con la que me puedo pasar horas y horas. Es un gran músico y creo que le añadió mucho color y texturas y detallitos al disco que sé ni siquiera cómo consiguió hacer. Es el típico tío al que uno infravaloraría simplemente porque es muy amigable, alguien con quien te puedes ir a tomar algo por ahí y tal. Pero en realidad es un genio. Incluso siendo de Brasil, conoce un montón de música americana oscura y rarísima. Y sabe tocar cualquier estilo y hacerlo muy bien. Uno puede llegar a olvidarse de todo esto precisamente porque es tan buen tío. Pero cuando te metes en el estudio con él,resulta fascinante.

¿Cuáles son tus mayores influencias cuando escribes canciones?

Cambia mucho, pero en general, me gusta la música con clase, refinada, “handsome music”, como los discos de Serge Gainsbourg, Leonard Cohen, Elvis, The Doors... Cosas que son o eran populares. Y el cine clásico de Hollywood: “Casablanca”, Humpfrey Bogart... Es muy elegante también. De hecho me siento más cercano a estas figuras que a la persona que soy cuando no estoy cantando. Cuando canto, ése es el verdadero Adam Green, la otra personalidad es sólo algo que tengo que arrastrar para poder seguir cantando. Y al tío que canta, lo miro y pienso: “ese tío tiene clase, yo soy sólo un idiota”. (risas)

¿Y cuáles son tus artistas actuales favoritos?

Aparte de Little Joy, están The Shining Twins, The Dirty Fences, Ish Marquez... También he estado de gira con The Cribs, de manera que ahora tengo montón de canciones suyas metidas en la cabeza... Su último disco “Ignore the ignorant” es buenísimo.

Y si pudieras resucitar a algún artista para que colaborara contigo, ¿quién sería?

Mmmm...Es muy difícil, pero creo que Janis Joplin.

Y ya que estamos mirando al pasado, ¿qué opinas del inesperado éxito que tuvo “Anyone else but you” en la banda sonora de “Juno”?

Me resultó bastante turbador, porque la canción no fue famosa ni cuando nosotros todavía estábamos juntos como grupo. Ni siquiera la tocábamos demasiado por aquel entonces. Y fue bastante raro, porque justo en ese momento, además, yo estaba haciendo música diametralmente opuesta a “Anyone else but you”... Pero, vamos, que nunca se sabe, quién sabe si volveré a hacer alguna canción de ese estilo algún día...

Y en ese caso, ¿sería junto a The Moldy Peaches?

No, no lo creo. Pero, bueno, ya te digo, nunca se sabe...

Hablando de The Moldy Peaches, solías categorizar vuestro estilo de “antifolk”. ¿Crees que esa etiqueta se puede aplicar también a tu carrera en solitario?

Sí, supongo que sí. Me gusta la mayoría de gente asociada con la corriente antifolk, así que me gusta que me relacionen con ella, sí. Me encanta gente como Jeffrey Lewis, Ish Marquez y Turner Cody. Son mis favoritos. Ah, sí, y también Diane Cluck. Creo que soy algo así como un “antifolk superstar” (risas).

¿Qué esperas de este nuevo disco que acabas de sacar y de la gira?

Pues simplemente voy a hacer un montón de conciertos. Eso es lo que me apetece. Sólo tocar rock’n’roll-country a la antigua usanza, como Jerry Lee Lewis, y luego, sentirme bien y ser feliz.

Puedes encontrar esta entrevista en el número de febrero de Go mag

Cara B. 01/03/10. Entrevista a The Good Company

2010-03-01T17:24:00.002+01:00

Carabesianos del mundo,

Como prometimos, tras dos semanas de descanso, vuelve Cara B y os trae, de nuevo, la mejor música de los gigantes internacionales y las mejores pequeñas grandes apuestas nacionales. En esta ocasión, Leticia entrevistó a The Good Company, que aunque el nombre suene a guiri son medio canarios medio barceloneses y muy pero que muy majetes. Además de eso, hoy que sale el nuevo álbum de Maga, si os portáis bien igual comparto con vosotros alguno de los nuevos temas, así como del Tourist History de Two Door Cinema Club ;) Eso y nuevas canciones del nuevo grupo de Thom Yorke, confirmaciones para el South Pop y el FIB, una pequeña muestra de unas grabaciones adolescentes de Stephin merritt... Y todo esto precedido por la sesión de The Plastic Knives, titulada "We play Hockey", tras salir extasiados como nosotras del concierto del cuarteto de Portland hace un par de jueves.

Vamos, que Cara B viene cargadito hoy, yo de vosotros no me perdería ni un minuto. Ya sabéis: hoy en directo de 21 a 22h en Ràdio Despí o en diferido, cuando tú quieras, en la web www.radiodespi.com

Her Only Presence - A brand new start

2010-02-25T17:07:00.002+01:00

Decir que Luis Cifré es el hombre orquesta se quedaría corto. Cifré, o lo que es lo mismo, Her only presence, es el espíritu independiente elevado a la máxima potencia. Tan independiente es que lleva tres discos haciéndoselo todo él solito: composición, voz, instrumentos, producción, mezcla e incluso edición en su propio sello Promise! Promise! Y además, qué diablos, lo hace de maravilla. Su tercera entrega, “A brand new start”, viene cargada de emotividad lo-fi e intensidad folk. “Okay” abre el disco y marca el que será el tono general, con unas baterías programadas up-tempo, guitarras acústicas y melodías vocales bonitas y rasgadas que recuerdan a los madrileños Autumn Comets. Y a ese esqueleto, Luis le va dando cuerpo ahora con una harmónica, ahora con unos teclados, ahora con un amago de 8-bit, pero sin perder nunca el Norte, donde habita gente como The Appleseed Cast o Damien Rice. Y si todo esto no te convence, siempre puedes rendirle tus respetos por titular al último tema “Last year for Halloween she was a whore”. Grande.

Puedes encontrar esta reseña en el número de febrero de Go Mag

"Conquista de lo inútil" de Werner Herzog

2010-02-25T16:11:00.003+01:00

Poco después de haber estrenado su última película “Teniente corrupto”, se edita “Conquista de lo inútil”, primera aventura literaria del director alemán Werner Stipetic, más conocido como Werner Herzog. Fundador del llamado Nuevo cine alemán, Herzog funde con maestría ficción y realidad en historias en las que la figura del antihéroe adquiere tintes eminentemente reflexivos. “Conquista de lo inútil” nace del diario que el alemán escribió durante el rodaje de Fitzcarraldo, esa especie de tesis sobre la locura filmada hace ya veinticuatro años. No obstante, estas 300 páginas poco tienen que ver con el proceso de rodaje. Como el mismo autor advierte: “Estos textos no son un informe de rodaje –éste apenas se menciona–, y son un diario sólo en el sentido más amplio. Se trata de otra cosa: más bien paisajes interiores, nacidos del delirio de la jungla. Pero tampoco de eso estoy seguro”. ¿Un viaje por el delirio de la mano de Herzog? Yo me apunto.

Podrás leer este texto en el número de marzo de H Magazine

Hockey @ La [2] de Apolo, 18/2/2010

2010-02-24T17:49:00.003+01:00

Hockey sólo se marcaron un objetivo cuando empezaron a tocar: hacer música con la que la gente se lo pasara bien. Y, a juzgar por lo que vivimos en su concierto en La [2] el pasado jueves, pueden darse por más que satisfechos. Cierto es que la sala no estaba ni a media bandera (Barcelona es muy moderna, pero sigue a la cola de Europa en cuanto a afluencia a espectáculos entre semana), pero los que estábamos, no paramos de bailar ni un segundo. Era como si La [2] hubiera viajado en el tiempo y nos halláramos en medio de una fiesta improvisada en algún momento de la década de los ochenta. En poco más de una hora, los de Portland repasaron todos los temas de “Mind Chaos”, y le sumaron dos nuevos, que el público recibió con el mismo devoto entusiasmo. Enfundado en una camiseta cuatro tallas más grande y con un pendiente de pluma, Ben Grubin sonreía y enrollaba y retorcía el cable del micro en sus brazos mientras escupía versos deslavazados en una suerte de rap, para luego dar rienda suelta a un vozarrón que en el disco apenas se intuye. En definitiva, uno de esos grupos que en estudio molan y en directo enamoran.

Podrás encontrar esta crónica en el número de marzo de Go Mag

Cycle - Sleepwalkers

2010-02-24T17:07:00.003+01:00

Si tu cantante posa en bolas para Interviú, si tardas cuatro años en sacar tu segundo disco y además la promoción es prácticamente nula (¿alguien se había enterado de que Cycle han sacado disco hace más de medio año?), tienes bastantes números para que la gente no te tome demasiado en serio. Con estas premisas, “Sleepwalkers” lo tiene difícil para agradar a las minorías y más difícil todavía para llegar a las mayorías, que ya los han olvidado. Por suerte, no nos hemos perdido demasiado. El segundo esfuerzo de Cycle presenta once versiones más de la receta original, añadiéndole un punto más furioso, más agresivo. Por mucho que se empeñe David Kano en puntualizar que “Weak on the rocks” era más electro/break y éste más tecnoide (sic), lo que percibe el oyente medio es un “Weak on the rocks II”. Y no sería algo necesariamente negativo si no fuera porque han pasado 4 años y hemos tenido ocasión de escuchar aventuras más cerdas (Peaches), más industriales (NIN, “In this light and on this evening” de Editors) y más frescas (We Are Standard). Con todo, algún tema como “You talk too much” tiene unos sintetizadores y un ritmazo que te hacen olvidar por un momento todo esto. Por lo demás, ni bueno, ni malo, ni todo lo contrario.

Puedes encontrar esta reseña en el número de febrero de Go mag

First Aid Kit y la sensatez adolescente

2010-02-23T18:19:00.004+01:00

First Aid Kit no es el nombre más original del mundo ni el más definitorio. Prueba de ello es que bajo este nombre coexistan tantas bandas y tan diversas como un grupo barcelonés de electrónica, un conjunto indie canadiense, un quinteto postpunk de Connecticut y una banda rock de, ojo, Indonesia. Y este dúo sueco que aquí nos atañe, claro.

Klara y Johanna Söderberg son hermanas y, como habréis deducido por las imágenes, son muy jóvenes: tienen solamente 16 y 19 añitos y presentan un debut desgarrador y amargo como pocos. Pero “The big black and the blue” no es amargo en plan adolescente emo, sino amargo en plan “la vida pesa pero yo estoy dispuesta a llevarla con una sonrisa en la cara, siempre y cuando me dejes contarte de qué va todo esto”. Y todo esto son historias de amas de casa que deben abandonar a sus maridos, cuentos de amores sofocantes, de obligaciones emocionales, de rupturas inevitables, de traiciones que van más allá de lo físico... Al fin y al cabo, de los oscuros callejones en los que desemboca la vida del ciudadano medio en algún momento entre los treinta y pocos y los cincuenta y muchos. ¿Que cómo son capaces de contarlo con semejante vividez estas dos adolescentes nórdicas? Ésa es la duda y el encanto que han puesto en carne viva las yemas de los dedos de media crítica mundial. Probablemente sus gustos musicales tengan algo que ver en esa sensibilidad por los problemas de la vida adulta y por el folk maduro y madurado. La lista la encabeza su adorado Conor Oberst, seguido de cerca por Ryan Adams, Elliot Smith, Joanna Newsom, Johnny Cash, Neil Young o Leonard Cohen; sin olvidar a los Fleet Foxes, por supuesto, influencia y talismán, con cuya versión de “Tiger mountain peasant song” consiguieron más de un millón de visitas en Youtube y cierta atención mediática. Pero lo que me encanta de estas chicas es que, pese a demostrar un buen gusto y un saber hacer envidiable a su edad, no reniegan de su pasado ni pretenden que creamos que escuchaban Björk cuando tenían 3 años. Klara y Johanna admiten orgullosas haber empezado en esto de la música cantando a Britney y a Christina Aguilera por los karaokes de su barrio del sur de Estocolmo. ¡Pues muy bien, claro que sí! ¡Basta ya de niños emos que crecen escuchando Portishead! ¡Que la infancia está para cantar “Baby one more time” a grito pelao en el coche de tu padre!

Pero a lo que íbamos: tanto el EP “Drunken trees” como su primer álbum, “The big black and the blue”, son discos bonitos, con melodías folk dulcísimas que se presentan con inocente sencillez y con sus voces angelicales titilando como luces reflejadas en un lago de noche. La crudeza amateur del EP se lima ligeramente en el álbum, cuyo primer número, “In the morning”, es un a capella que pone las cartas sobre la mesa: estas chicas tienen mucho que decir y poca necesidad de adornarlo. Aquí lo esencial es la voz y la emoción, la sensación de fragilidad, el olor a pino recién cortado, algún acorde menor y la necesidad vital de seguir viviendo o imaginando historias para seguir contándolas. “It's one life and it's this life and it's beautiful". Yo no lo hubiera dicho mejor.

Puedes encontrar este artículo en el número de febrero de H Magazine

Tachenko - Os reís porque sois jóvenes

2010-02-17T18:18:00.003+01:00

Puedo decirlo sin embudos: éste es el mejor trabajo de Tachenko. Yo no sé si son las mezclas de Alfonso Ródenas (ganador de un Grammy), la masterización de Joe Gastwirt (Brian Wilson, Paul McCartney), o que ocho años ya son suficientes para escapar de la eterna sombra de El Niño Gusano. La cuestión es que estos zaragozanos han conseguido el disco que se merecían y que llevaban años forjando en su tamiz mental, que diría Sergio Vinadé. “Os reís porque sois jóvenes” tiene, para empezar, un título brutal, que suena entre amenaza y cachondeo. Para seguir, lo de siempre pero mejor: melodías limpias sin nada que las empañe, sin nada que oculte que esto es pop, pop luminoso, descarado y sin complejos (algo nada fácil en un país en el que parece que haya que pedir perdón por hacer música que entre a la primera).

Lo mejor de todo es que a estos cuatro se les ve con la misma ilusión del principio y, claro, por simple mimética a uno se le dibuja una sonrisa en la cara al escuchar este álbum. Además, aquí lo más parecido a una balada es el último tema, “Las flores del mal”, y ya os avanzo que no va a acabar con vuestras reservas de kleenex. Lo demás son todo temas que van desde el pop saltarín, encabezado por el “ah ah ahahah ahahahaaaah” contagiosísimo de “Escapatoria”, hasta los ritmos que galopan a lo Lori Meyers en “Tírame a un volcán”. Hay incluso un deje épico en la forma en que los acordes se van dejando caer en “Compañeros del metal”. Pero la verdad es que todas las canciones tienen su qué, y seguro que va a haber una gran pluralidad de favoritas entre los oyentes. “El respland’Or” tiene unas armonías vocales brillantes, “Vámonos” suena a final glorioso de película, los violines de “La resistencia” ponen los pelillos de punta, “Sombras, tormentas” arrasa con la fuerza de su estribillo y el inicio tarantinesco de “Decisiones justas” se ve rematado por un simple y devastador “no esperes decisiones justas, porque no las tomaré”. Y si hablamos de letras, hay que destacar “El peligro”: “No tengo nada que decir / tan sólo traigo estrellas para ti / mientras miras de perfil / para qué fingir / sabes que esto acaba aquí”, porque si han de dejarte, que te regalen al menos unas cuantas estrellas para minimizar el daño.

Otra cosa que sigue conservando el cuarteto es esa capacidad para crear canciones 100% tachenkianas; las escuchas y desde la primera nota sabes que las han parido ellos. Así que si ya eras fan de Tachenko, “Os reís porque sois jóvenes” te encantará, y si todavía no lo eres, este disco te convertirá a su culto de pop vitalista y melodías inmaculadas. Y si, con todo, eres de los que esperas a que vengan de fuera a reconocernos lo propio, sírvate de garantía que el mismísimo Micah P. Hinson los escogiera hace unos meses como banda de acompañamiento para su mini-gira española.

Puedes encontrar esta crítica en el número de febrero de Go Mag

The Strange Boys: valiente honestidad

2010-02-16T15:56:00.003+01:00

Estos jovenzuelos de Austin prácticamente dejaron el cole para dedicarse a la música. No es de extrañar que su última adquisición, Seth Densham, los acabe de abandonar para volver a la escuela: “Estoy triste pero lo entiendo y lo respeto, cada uno tiene su vida y ha de hacer lo que cree correcto”, me confiesa Ryan Sambol, guitarrista y portavoz del grupo. “Cuando empiezas tan joven, haces cosas diferentes al resto de gente de tu edad: grabas, estás por ahí en bares...”, sigue explicando Ryan, que sólo tenía 15 añitos cuando se unió a Matt Hammers para formar el dúo punk The Strange Boys. Las cosas han cambiado mucho desde entonces, tanto que ni hacen ya punk, ni Matt Hammers sigue en el grupo, que tras esa primera etapa ha llegado a incorporar hasta cinco miembros más. Lo que no ha variado es el nombre de la banda, y eso que Ryan ha intentado cambiarlo de todas las maneras posibles. Hasta logró titular a un EP “The Strange Boys will now forever be known as The Martin Luther Kings”. “No es que no me gustara el nombre, porque no está mal y funciona, pero, no sé, quería cambiarlo”. Y la verdad es que el nombre no es para tirar cohetes, ni es demasiado representativo, ya que lo que estos chicos presentan en su segundo álbum, “Be brave”, es garage rock de toda la vida pero con medios de los años 2000.

“Antes solía decir que la música, cuanto más vieja, más buena. Pero ya no lo creo. En los últimos años han salido discos muy buenos, y eso es porque son muy sinceros. Y ser honesto o no depende de las personas, más que de las épocas”. Esa honestidad tiene mucho que ver para Ryan con olvidarse de la pose y pasárselo bien haciendo música. En ese sentido, uno de los grupos a los que más admira Ryan es Black Lips, con los que ha compartido escenario en diversas ocasiones, además de una obvia afinidad musical. “Son muy agradables y les encanta pasárselo bien. Y los conciertos están para eso, para divertirse. Si tú te estás divirtiendo, seguramente el público también lo haga”. Tan salvajes son los directos de The Strange Boys, que en ocasiones hasta le dejan los instrumentos al público. “Da igual que destrocen las canciones. Sobre el escenario no existen los errores.”. Lo que sí que le parece un error es que los comparen con el recopilatorio garage “Nuggets”: “En los artículos siempre citan esta referencia, pero me parece demasiado facilona, además, la mayoría de sus canciones son muy malas”. Tras esta reflexión, Ryan se queda unos instantes pensativo y se despide con un sabio y escueto “well, you know... be brave”.

Puedes encontrar este texto en el número de febrero de Go mag

Razzmatazz '09 remezclado por Dj Amable

2010-02-16T12:43:00.002+01:00

A día de hoy, pocos dj’s han demostrado una destreza comparable a la de Amable a la hora de mezclar el rock con la electrónica. Ésa es, en gran medida, la gracia de sus sesiones: que es capaz de pincharte Pixies con una base de Hot Chip sin despeinarse. Eso, y su capacidad para congregar a cientos de incondicionales en la pista de RazzClub noche tras noche, claro. Este recopilatorio es la visión personal de Amable de los 52 fines de semana del 2009. Unos fines de semana repletos de grandes descubrimientos –The XX, Passion Pit, The Big Pink, The Pains of Being Pure at Heart-, consagraciones –The Horrors, Phoenix-, épica –“Luna” de Fanfarlo- y bailoteo despreocupado a raudales –Empire of the Sun. Sin olvidar la pequeña división nacional, que en esta ocasión viene encabezada por dos grandes: Love of Lesbian y Delorean. ¿Que a este CD le faltan bastantes temazos del 2009? Cierto. Pero eso no quita que sea una apuesta segura para poner en tus fiestas y que nadie se quede sentado.

Puedes encontrar esta crítica en el número de febrero de Go Mag

Delphic - Acolyte

2010-02-15T17:01:00.001+01:00

Después de protagonizar las listas de “ones to watch for 2010”, este cuarteto de Manchester presenta su álbum debut, repleto de beats, sintetizadores, texturas, infinidad de capas y buenas melodías. Y, claro, tanto buzz añade una injusta expectación a la ya suscitada por singles de la categoría de “Counterpoint” o “This momentary”. Por si eso fuera poco, Delphic tienen un problema añadido, y es que a la gente que busca pop le pueden parecer demasiado machacones y a los que buscan electrónica, demasiado suavitos. No obstante, temones como “Doubt” harán las delicias de los primeros, mientras que los amantes de la electrónica no podrán negarle unas cuantas reproducciones a “Remains” o “Acolyte”. Precisamente los nueve minutos de “Acolyte” constituyen el núcleo duro de este disco, pasando de una melancólica intro instrumental a unos sintetizadores dream y beats con regusto al techno de Berlín, donde, por cierto, se ha grabado el disco. Que sí, que recuerdan a New Order, y a Fischerspooner, e incluso a Klaxons, pero lo hacen con jeta y elegancia. Y, qué queréis que os diga, a mí me han convencido.

Two Door Cinema Club - Tourist history

2010-02-12T14:15:00.003+01:00

A veces lo que a uno le pide el cuerpo son canciones cortas, directas y despreocupadas, que te incrusten una sonrisa en la boca y te arrastren a la pista de baile. Si estás en ese punto, éste es el disco perfecto. Diez temas de apenas tres minutos cada uno conforman el debut en formato largo de los norirlandeses Two Door Cinema Club. “Tourist History” coge un poquito de la bailabilidad de Passion Pit, los juegos de guitarras de Foals y la inmediatez de los Bloc Party del “Silent alarm”, y lo convierte en una ráfaga de hits que pondrá patas arriba cualquier fiesta que se precie. Los más destacables, dos temas que ya conocíamos: “I can talk” y “Something good can work”, que apuntan las dos direcciones que tomará el álbum (una más bailonga y desenfrenada, otra más dulce y afrobeat). Los restantes 25 minutos transcurren sin sobresaltos, para bien o para mal. La fórmula es fresca, es divertida y funciona, ahora sólo tienen que encontrar la manera de no pasar a la historia como “los chicos de “I can talk”.

Esta crítica la puedes encontrar en el número de febrero de Go Mag

Fanfarlo o cómo obtener el hype que mereces

2010-02-10T15:21:00.005+01:00

En estos días de crisis la mejor forma de encontrar trabajo es ir con una carta de recomendación bajo el brazo. Y si tu trabajo es la música, pocas firmas van a darte más lustre en el currículum que la de David Bowie. Si además, en el bando de las minorías de culto, te apoyan los mismísimos Sigur Rós, entonces ya vas a ser el hype del momento. Pero no aprovecharon vilmente esa popularidad Fanfarlo para juntar unas cuantas canciones y encasquetarle al personal un disco de recortes deprisa y corriendo. Al contrario, Fanfarlo decidieron ir sacando singles y algún EP durante un par de años y mientras tanto darle el tiempo de cocción necesario a su debut, “Reservoir”. Hasta que hace unos meses decidieron que ya estaba listo y nos sirvieron estas diez canciones justo en su punto, ni demasiado blanditas ni demasiado secas. Y, encima, a un dólar y con cuatro temas de regalo. Los bloggers se volvieron locos, claro, e inundaron Google de links y elogios. Hasta aquí, la historia de cómo Fanfarlo se colaron en las listas de lo mejor del año pasado.

Pero teniendo en cuenta que esto de regalar (o casi regalar) álbumes ya lo inventaron en su momento Thom Yorke y Trent Raznor, ¿a qué viene tanto revuelo con Fanfarlo? Pues bien, Fanfarlo son algo parecido a una cópula musical entre Arcade Fire y Beirut. Y, claro, a todo el mundo le gustan las cópulas, y más si son de dimensiones tan épicas. Ahora bien, hay que advertir que en este debut la épica queda relegada a un segundo plano, en pos del intimismo y la cercanía. Porque Fanfarlo, pese a haber adoptado el nombre de la única novela de Baudelaire, no suenan tan grandilocuentes como la tribu de Win Butler. Ni tampoco tan exóticos como Zach Condon. “Reservoir” es simplemente un álbum de folk-pop bonito con trompetas, glockenspiels y mandolinas, y sin grandes pretensiones.

Poco dice la portada de lo que en el álbum vamos a hallar, con una foto en sepia de una niña con un cesto de mimbre y otra –concretamente, la hermana del cantante de Sigur Rós- cabizbaja y con una máscara horrenda. Mal rollo es poco. Y sin embargo, es éste un disco luminoso, brillante; sin tonos sepia ni oscuridades, acaso melancolía en gamas cálidas y vivas de la mano de Simon Balthazar. Y será Simon el hilo conductor en este camino de diez paradas, que empieza con el contundente ritmo de “I’m a pilot” a lo “Crown of love” de Arcade Fire, para luego conjugar un bajo casi soulero con unos vientos de lo más Beirut en “Ghosts”, y después acelerarse y decelerarse al son de trompetas y efectitos digitales en “Luna”. La más beirutesca y una de sus mejores canciones es el sexto corte, “The walls are coming down”, con un estribillo memorable adornado de preciosos toques de glockenspiel. Preciosas también son “Drowning men” y “Finish line”, donde la instrumentación es menos exótica (bajo, guitarra, piano, batería) para ceder protagonismo a la voz de Simon, esta vez más cercana a Alec Ounsworth de Clap Your Hands Say Yeah que a Zach Condon. Y así nos abandona Simon al delicioso arrullo de “Good morning, midnight”, un número acústico brevísimo que deja al oyente con esa sonrisa que se te dibuja al tumbarte en la cama con las manos entrelazadas tras la nuca al final de un buen día.

Este artículo aparece en el número de febrero de H Magazine

Cara B. Entrevista a Love of Lesbian

2010-02-08T17:17:00.002+01:00

Un asqueroso lunes más y encima con lluvia. Maravilloso momento para quedarte en casa escuchando Cara B online y echándote unas risas mientras en las calles cae la del pulpo. Además, hoy os traemos la entrevista que le hicimos a Love of lesbian. Y, cómo no, todas las noticias y los conciertos más interesantes del momento. Y, por cierto, os vamos a dar envidia con lo bien que nos lo pasamos la semana pasada en el concierto de Backyard Babies y en el de Arctic Monkeys. Si alguien nos quiere dar envidia porque fue al de Sunn 0))) pues ya sabéis.

Y la novedad de la semana: el bueno de Dan Black ya tiene listo un nuevo EP "Weird science" y ha decidido colgarlo en su web. Aquí os dejo el primer tema, una versión del "Pass that dutch" de Missy Elliot.

Gócenlo mucho esta noche de 21 a 22h (esta vez sin sesión previa de los plastic Knives), o cuando ustedes gusten descargándoselo en www.radiodespi.com y escuchándonos en diferido.

Frightened Rabbit - The winter of mixed drinks

2010-02-05T15:01:00.003+01:00

En la nochevieja de 2008, Scott Hutchinson, cantante de Frightened Rabbit, se encontró a Andy Monaghan en un bar y, en pleno subidón etílico, le propuso que se uniera al grupo. No es extraño, pues, que hayan titulado al disco “The winter of mixed drinks”. Al cabo de unos meses, el ex-Make Model Gordon Skene acabó de completar la formación y el quinteto se puso manos a la obra. Para este tercer álbum, Scott se inspiró en las situaciones límite, en la soledad, en sentirse perdido. Con todo, el resultado suena más optimista que sus predecesores, como si fuera una respuesta a la angustia del “Midnight organ fight”. De hecho, ya el primer tema que pudimos escuchar, “Swim until you can’t see land”, tenía en su melancólica melodía un trasfondo alegre, de superación, además de un título precioso. Destacan también otros temas como “Nothing like you”, que puede llegar a recordar a unos jóvenes Manic Street Preachers, o “Skip the youth”, con una valiente intro ruidista. Por lo demás, no hay nada que emocione al nivel de su “Keep yourself warm”, pero aún así este álbum deja claro que a estos escoceses les queda mucho que decir.

Puedes encontrar esta reseña en el número de febrero de Go Mag

Cypress Hill are back!

2010-02-01T16:21:00.002+01:00

Tras seis años de silencio, Cypress Hill vuelven a la carga. Su nuevo disco (el octavo ya) se titulará ‘Rise Up’ y saldrá a la venta el 6 de abril. Éste será, además, su primer trabajo con Priority Records (EMI), sello que acaba de nombrar CEO a Snoop Dogg.

En él, encontraremos colaboraciones de gente tan dispar como The Alchemist, Mike Shinoda de Linkin Park, Slash de Guns’n’Roses o Tom Morello de Rage Against The Machine.

Por lo pronto, los californianos nos regalan un tema adelanto de manera totalmente gratuita. Entra en cypresshill.com, suscríbete a su newsletter y recibe en tu bandeja de entrada este ‘It Ain’t Nothin’, una verdadera gozada.

Puedes encontrar esta noticia en Serie B

Royal Bangs - Let it beep

2010-01-26T14:26:00.001+01:00

Tras la conversión de Kings of Leon en fabricantes de himnos rock edulcorados, poca esperanza quedaba en que Tennessee fuera a aportar algo de aire fresco al panorama del indie pop internacional. Pero Royal Bangs han llegado para resarcir el orgullo de su tierra madre con una locura de disco que tiene un poco de math-rock, otro poco de 8-bit, algo de funky, un toque sesentas, mucho garage, guiños eurodance y psicodelia a cascoporro. Toda esta maraña resulta en un álbum variado y divertidísimo con referentes como Foals, MGMT, Friendly Fires o Animal Collective. Es muy difícil destacar sólo una canción, pero mi elección hoy es “My car is haunted”, con su ritmazo funky, guitarras traviesas y sintetizadores super distorsionados. Ayer, que me levanté más electrónica, no me podía quitar de la cabeza “Brainbow”. Mañana podría ser el turno de la psicotrópica “Gorilla King”, o quizá de “Shit X-Mas” o “Maniverse”, que reinterpretan la época dorada de los Strokes. ¿Es enero demasiado pronto para estrenar la lista de lo mejor de 2010?

Cara B 25/01. Entrevista a Astrud

2010-01-25T17:46:00.001+01:00

Llegó el día. Mis muelas me han dado una tregua y por fin vuelvo a Cara B. Y lo hago con una entrevista a Astrud bajo el brazo. Y con lo nuevo de Caribou tras 3 años de silencio. Y por si eso os pareciera poco (pedigüeños!), también traigo información sobre el paradero de Lori Meyers, datos sobre la separación de The killers y muchas cositas más. Ya sabéis dónde y cuándo, pero yo os lo recuerdo:

www.radiodespi.net

--> o bien esta noche en directo , de 21 a 22h, previa sesión de The plastic Knives (20.15-21h)

--> o bien en diferido, descargandoos el programa cuando queráis en la misma web.

No hay excusa para no estar bien informado y echarse unas risas de paso.

The Magnetic Fields - Realism

2010-01-25T03:22:00.000+01:00

“Realism” ha sido concebido como el reverso de “Distortion”. Y así como “California girls” o “Too drunk to dream” suenan mejor en verano, éste es ciertamente un disco de invierno, o más bien de Navidad. Ya con las primeras notas de la fantástica “You must be out of your mind” uno se imagina en plena Nochebuena en algún pueblo perdido de los Estados Unidos, sentado con toda la familia alrededor de una chimenea adornada con calcetines rojos desproporcionados, viendo nevar afuera a través de la ventana. Pero como Merritt es como es, no ha sacado el álbum en diciembre, que sería demasiado fácil, ni en verano, que resultaría una vacilada demasiado obvia; lo pone en el mercado justo pasadas las fiestas, cuando todos estamos empachados de amor y turrón. Es justo entonces cuando nos planta sobre la mesa su “álbum folk”, cuyo sonido premeditadamente acústico se ayuda de instrumentos tradicionales inusuales y de la influencia del folk psicodélico de finales de los 60 para servirnos momentos deliciosos e inolvidables como “Seduced and abandoned” o “Better things”.

Jesse Dee - Bittersweet batch

2010-01-24T12:17:00.002+01:00

No debe de ser fácil ser de Boston, ser blanco y hacer soul dos años más tarde de que Eli Paperboy Reed haya dado el salto internacional. Pero mientras que Eli Paperboy juega a ser una versión contemporánea de Marvin Gaye, con letras sensuales y autoproclamándose “the satisfier”, Jesse Dee podría ser perfectamente el hijo no reconocido de Sam Cooke. Igual que Cooke, Dee nos propone en su debut un soul mucho más diurno, optimista e ingenuo. Oscilando entre ese soul más puro y el r’n’b, “Bittersweet batch” le da una capa de brillo a todo el espectro de la música negra, atreviéndose incluso con un número brutal de funky trompetero en “Reap what you sow”. Pero sin duda la gran baza de Dee es su voz, emotiva, granulada y poderosa. Poseedor de un registro envidiable, Jesse se desvive en sus falsetes y le pone a sus canciones el toque humano que le falta al panorama actual. En fin, que si pasas del hype y lo que quieres es emocionarte, no deberías perderte temas como “Around here” o “Slow down”.

La metalista del 2009

2010-01-21T16:09:00.002+01:00

Metacritic.com es una página web que se dedica a cruzar críticas y puntuaciones de críticos o medios de reconocido prestigio mundial, y con el resultado genera "la metalista" de la materia en cuestión. Se pueden hacer metalistas de discos, de canciones, de películas y de un montón de cosas más. Yo he buscado la de mejores discos del 2009 y la podéis encontrar aquí.

¿Se le ha ido la olla a M.I.A.?

2010-01-18T16:30:00.003+01:00

M.I.A. tiene un nuevo tema. Se llama "Space Odissey / There's space for ol dat i see" y es una frikadota en toda regla que demuestra que esta chica
a) ha estado fumando de todo menos tabaco
b) ha estado escuchando Animal Collective. Mucho.

Como suelen preguntar en Je Ne Sais Pop, ¿revelación o timo?

Cara B 18/01. Blood Red Shoes

2010-01-18T15:27:00.002+01:00

Por fin la enfermedad se ha alejado de los estudios de Ràdio Despí y podemos retomar el programa (bueno, sólo Leti, servidora, Virgi, sigue heca una pena con las maravillosas muelas del juicio). En cualquier caso, volvemos, y no se me ocurre un grupo mejor para un retorno que los Blood Red Shoes. Ya os trajimos en su momento su single "Colours fade", y ahora os traemos el single "Light it up", que saldrá el día 22, una semana antes que el álbum. Temón temón, como era de esperar de estos dos fieras de Brighton.

Y lo de siempre: buena música, noticas buenas y noticias malas (RIP Jay Reatard, Vic Chesnutt...), conciertos, lanzamientos... Y hablando de lanzamientos, Maga saca su nuevo álbum "A la hora del sol" el 1 de marzo y ya ha colgado en su Myspace un adelanto que mola un montón.

Nada más. Pásenlo bien y cuídense las muelas y también el juicio.

PlasticPanic presenta a IcebEnd + Ciervo + Am Mut

2010-01-16T15:51:00.005+01:00

No es tarea fácil definir lo que los chicos de IcebEnd hacen cuando se juntan en el estudio o sobre un escenario. Su rock emotivo se ha calificado en ocasiones de post-rock o emo-core, pero estas etiquetas se le quedan pequeñas a los incendiarios temas de su segundo disco Hyperventilation, con influencias que van desde la delicadeza de Jeff Buckley hasta la energía de At The Drive-In , pasando por las etapas más experimentales de Radiohead y la actitud subversiva del grunge de los noventa, con Pearl Jam como referente más claro. Ganadores del concurso Emergenza Acoustic, se ganaron también al público y jurado en el concurso Audiciones de la Fundación Canal de Isabell II y se ganaron seguro al público de este concierto, repasando los clásicos de su discografía y adelantando algunos temas de lo que va a ser su tercer álbum de estudio.

Los telonean Ciervo y Am Mut, ambos presentando su primer disco. En el caso de Ciervo, este primer LP se titula Aprendiendo a hablar y es un torrente controlado de guitarras progresivas, melodías vocales y juegos de intensidad, con una destreza que nos hace intuir que, aunque digan estar aprendiendo, Ciervo vienen con la lección más que aprendida.

Am Mut, por su parte, también estrenarán su debut, Gorgonae, una delicia instrumental de 3 partes que recoge y reinterpreta en sus 50 minutos lo mejor de la psicodelia, la música experimental y el rock progresivo, meciendo al oyente en sus pasajes más pausados y sacudiéndolo frenéticamente en sus momentos más turbulentos.

Esta noche, los 3 en BeCool, por sólo 7 euros. ¿Te los vas a perder?

Más info, aquí.

Stephin Merritt: los restos del naufragio

2010-01-14T12:41:00.003+01:00

Stephin Merritt ha vuelto a hacerlo. Su nuevo disco nada tiene que ver con “Distortion”, ni con “i”, ni con “69 love songs” ni tan siquiera con aquel “Distant Plastic Trees”. Merritt se ha sacado de la chistera su “álbum folk”, en el que reinventa por enésima vez el sonido de The Magnetic Fields. Quizá la pista se halle en el último tema del disco, “From a sinking boat”, una de sus muchas canciones sobre naufragios. Merritt me confiesa que a veces se siente como si hubiera naufragado y yo creo que lo hace aposta, para así poder resurgir con más fuerza.

Que Stephin Merritt es un tipo complicado no debería pillar a nadie por sorpresa. Dicen que no se siente cómodo en las entrevistas y que por eso resulta tan hosco. También se rumorea que tiene un problema de hiperacusia y que por eso manda callar y dejar de aplaudir a la gente en sus conciertos. Habla lento e imprime interminables pausas a sus frases. Vamos, que seguramente Merritt no sea un tipo con quien te irías de copas, pero eso no quita que sea uno de los mayores escritores de amor y desamor del pop de las dos últimas décadas y que se haya cascado un discazo como la copa de un pino.

“Realism” ha sido concebido como la otra cara de “Distorsion”. “Quería hacer un par de álbums, uno rock y otro folk, y llamarlos “True” y “False”. Pero como no sabía a cuál llamar “True” y a cuál “False”, cambié de idea y los titulé “Distortion” y “Realism”, aludiendo a su estilo de producción”. Una producción que Merritt buscaba premeditadamente acústica: “No quería que nada sonara eléctrico, quería que todo fuera orgánico. Y sin embargo usé un aparato de efectos para “The Dada Polka”: un simulador acústico, que hace que la guitarra eléctrica suene como una guitarra acústica. Pero está claro que no funcionó, ya que en la canción se sigue notando la eléctrica”. Probablemente “The Dada Polka” suene tan diferente al resto del álbum porque se escribió mucho antes, en 1986. Por aquel entonces, Merritt ya sabía que acabaría escribiendo en algún momento su “álbum folk”, como ha bautizado a este “Realism”. “Supongo que he tardado tanto en hacerlo porque es difícil. El folk requiere una grabación más extensiva, poniendo mucha atención a cómo van a sonar unos instrumentos al lado de otros. Mientras que con “Distortion” tardé sólo dos o tres semanas en grabar y un año y medio en mezclar el álbum, con “Realism” sólo el proceso de grabación ya me llevó un año y medio”.

Este álbum, el noveno de The Magnetic Fields, tiene como principal referencia el folk psicodélico y orquestal de finales de los 60 y principios de los 70. Merritt cita como discos más influyentes “In my life” y “Wildflowers” de Judy Collins. “Son álbumes folk pero beben de todo tipo de música. Hay mucha variación estilística y nunca se repite la instrumentación, pero sigue siendo folk”. Obviamente, Merritt no quería hacer el típico álbum folk, con guitarras, ukeleles y a correr, sino que buscaba un enfoque mucho más colorido y caleidoscópico, atreviéndose con chelos, violines, acordeones, tubas, banjos e incluso un tablá (tambor indio) y un buzuki (instrumento parecido a una mandolina). Eso sí, igual que “i” y “Distortion”, “Realism” carece de sintetizador, y es que éste es el álbum que cierra la “no-synth trilogy” de la banda. Y aunque es pronto para hablar de un próximo trabajo, Merritt me desvela que éste “volverá a tener sintetizadores. Seguro. Pero no serán el mismo tipo de sintetizadores y los usaré de maneras diferentes”.

A medida que la entrevista avanza, parece que Merritt se va relajando y se abre un poco más. Es entonces cuando me habla de su época como periodista musical en el Time Out New York y por qué lo dejó: “No me gustaba reseñar sólo cosas que me gustaban. Pero, por otro lado, cuando alguna vez decía lo que pensaba sobre un álbum que no me gustaba, luego siempre me acababa encontrando por ahí al artista en cuestión y estaba enfadadísimo conmigo”. Y es que ser criticado por Merritt debe de dar bastante miedo. Con todo, él mismo reconoce que “a veces haces una crítica negativa de un disco y más tarde cambias opinión, y te acaba gustando algo que anteriormente, cuando conocías menos al grupo, habías criticado”.

En cuanto a sus planes a corto plazo, los próximos meses pintan bastante ajetreados para el polifacético Merritt: estará trabajando en la música de una adaptación teatral de 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne, para luego meterse de lleno en la gira de promoción de “Realism”, que empieza en febrero y de momento no incluye ninguna ciudad española. “Ojalá vayamos a Barcelona. Es, junto con Londres, una de las dos ciudades en las que más me gustaría vivir”.

Podéis encontrar este artículo en el número de enero de GoMag

Nicolai Dunger - Play

2010-01-13T02:07:00.001+01:00

Cuenta la historia que Nicolai Dunger estaba distraído tocando la guitarra y cantando en su balcón cuando un cazatalentos de Telegram pasaba por ahí, le gustó lo que oyó y lo fichó. Corrían los años noventa y pocos y ni siquiera los más modernos usaban todavía discman. Era cuando los peces gordos aún apostaban de verdad por sus artistas. Tanto arriesgaban que le dieron a Dunger una tercera oportunidad después del fracaso comercial de sus primeros dos largos. Bien jugado, porque a la tercera fue la vencida y Dunger empezó a recibir en su Suecia natal el reconocimiento que merecía.

Jardinero, futbolista y cantautor (esto parece una final de Tú sí que vales), Dunger fue ganando personalidad como artista hasta poder centrarse exclusivamente en su carrera musical. En su decimocuarto disco en 14 años, este sueco demuestra que sigue en plena forma con diez nuevas muestras de su particular folk bluesero. Lo mejor, no obstante, sigue siendo su voz, a caballo entre Van Morrison y Jeff Buckley, con un notable deje a Thom Yorke en “Tears in a child’s eye”, su imperdible dúo con Nina Persson.

15 más para el Primavera Sound 2010

2010-01-12T15:05:00.003+01:00

El mono bipolar se ha orinado encima con las 15 confirmacionacas del PS2010. Las listo debajo y dejo que gritéis, saltéis y vitoreéis a gustico vosotros mismos en vuestras casas y trabajos.

Yeasayer

Spoon

No Age

HEALTH

Fuck Buttons

Shellac

Cold Cave

Liquid Liquid

The Clean

The Big Pink

Standstill

Real Estate

Polvo

Atlas Sound

THE PSYCHIC PARAMOUNT

Exsonvaldes - Near the edge of something beautiful

2010-01-10T01:21:00.001+01:00

Al contrario de lo que uno esperaría, cuando a Exsonvaldes les preguntas acerca de su nombre, no mencionan la catástrofe del petrolero Exxon Valdez sino a la escritora Zoé Valdés. Esto ya dice mucho de su música, mucho más preocupada por la belleza que por la tragedia. “Near the edge of something beautiful” demuestra que Francia no sólo exporta rompepistas, sino que también son capaces de facturar grandes grupos de pop-rock.

Sin embargo, Exsonvaldes no rehúyen la electrónica. Sin ir más lejos, el propio Alex Firla (productor de Phoenix) le ha dado un toque electrónico a sus canciones sin romper el clima altamente emotivo del álbum. Esta atmósfera se ha creado principalmente a través de la adición de capas sonoras y el trabajo melódico de las guitarras. Bueno, y a través de la voz de Simon Beaudoux, claro. En su voz se oye el eco de una angustia adolescente a lo Brian Molko pero mitigada por la serenidad del paso del tiempo. Esto converge en algunos momentos dramáticos que recuerdan a Thom Yorke o Matt Bellamy sin llegar al histrionismo (“Near the edge of something beautiful”) y en otros más rabiosos de reminiscencia grunge (“Last year”). No es de extrañar, ya que si en algo coinciden los cuatro componentes de la banda, dentro de la disparidad de sus gustos, es en su devoción por Radiohead y por el “In utero” de Nirvana, que aún sigue sonando en la mayoría de sus viajes en furgoneta.

La gran virtud de estos cuatro parisinos es su capacidad para crear canciones pop que entran a la primera pero que contienen mil detallitos para su posterior y pormenorizado disfrute. La mayoría de críticos destacan la directa “Lali” y su juego de punteados acústicos, en la línea de Faded Paper Figures. A mí, sin embargo, me parece más interesante la canción que da título al álbum, que consigue incrustar el rasgueo acústico y la fragilidad vocal de los Radiohead del “Ok Computer” en medio de unas atmósferas post-rock vigorosas a lo Explosions in the Sky. O “I know”, donde Simon inicia un sutil ejercicio de folk al estilo de sus compatriotas Cocoon que explota al minuto y medio en un artefacto de artillería post-rock. Y también “Old & weak”, que empieza, como su propio título indica, frágil y casi inaudible, para convertirse hacia la mitad en un inesperado pulso de ritmos programados y arpegios nítidos, que finta luego en un torrente de guitarras sucias noventeras para acabar con una voz delicada y los mismos arpegios de nuevo. Y es que los once cortes de este LP son composiciones progresivas, que van creciendo y van tiñéndose de matices, y lo consiguen sin exceder apenas los cuatro minutos. De hecho, hay un par de sobresalientes ejercicios de concisión: “PPM” y la furiosa “Sunlight”, que en sus escasos dos minutos nos cuenta más que cualquier bestseller de 500 páginas. Y, con todo, se atreven Exsonvaldes a titular el disco “Near the edge of something beautiful”, sin darse cuenta de que esa línea la han sobrepasado desde el primer minuto del álbum.

Esta reseña la podéis encontrar en el número de enero de Go Mag

Monsters of Folk no tienen nuevo álbum

2010-01-09T13:36:00.002+01:00

Este fake nos lo tragamos todos. Pero resulta que ni Conor Oberst tiene twitter ni Monsters of Folk tienen previsto de momento sacar la continuación de su aún reciente disco homónimo. Así que a seguir esperando.

Editors: de la oscuridad a las tinieblas, y subiendo

2010-01-08T11:50:00.002+01:00

A Editors les encanta venir a España. Ya sea por la legión de fans incondicionales que tienen aquí, ya sea por el clima, estos chicos de Birmingham siempre parecen la mar de felices de volvernos a visitar. Tanto es así, que Edward me propone cambiar la entrevista en los oscuros entresijos de la sala Razzmatazz por dar un paseíto por una Barcelona cálida y soleada en pleno diciembre. Y es que, aunque este “In this light and on this evening” los haya consolidado como los reyes del pop oscuro, a nadie le viene mal un poco de luz de vez en cuando.

Siempre que voy a una ciudad donde hace buen tiempo intento que hagamos las entrevistas en la calle. ¡Hace tan buen tiempo aquí en Barcelona! Me encanta.

De hecho, ‘In This Light And On This Evening’ dice “London’s become the most beautiful thing I’ve seen”, así que quería preguntarte, ¿cuáles son las ciudades más bonitas que has visitado o que te gustaría visitar?

Tengo la suerte de haber podido visitar la mayoría de lugares que he querido visitar. Y una de las que más me gusta es Tokio. Es una de las ciudades más impresionantes que hay, sobre todo de noche, con las luces rojas brillando sobre de los edificios altísimos... Es muy misteriosa. ¿Has visto Lost In Translation? Pues, aunque parezca un poco cliché, es exactamente así. Es un lugar maravilloso. Y, por otro lado, Barcelona lo tiene todo: un clima muy bueno, un casco antiguo fantástico, lugares interesantes que ver, la playa... Todo lo que uno podría querer en una ciudad.

Y qué prefieres, ¿Europa o Estados Unidos?

Creo que Europa. A ver, nos gusta ir a Estados Unidos a tocar. Siempre nos lo pasamos muy bien allí, los conciertos son geniales, especialmente en las ciudades más grandes: Seattle, Los Ángeles, San Francisco, Nueva York... También Chicago, probablemente mi ciudad favorita en los Estados Unidos. Tiene un aire antiguo, puedes sentir toda su historia, la mafia y todo eso...

Cambiando de tercio, me gustaría que habláramos sobre el giro que ha tomado vuestra música. Tom ha explicado en alguna ocasión que ha sido por vuestra propia salud mental, que ya no podíais volver a hacer un disco tradicional con guitarras. ¿Cómo es eso?

Bueno, en realidad lo intentamos. Escribimos canciones y nos surgían ideas bastante similares a las de “An End Has a Start”, pero acabábamos los ensayos aburridos y poco motivados. Así que nos dimos cuenta de que necesitábamos un tiempo, una distancia, para probar otras cosas, otros instrumentos, intentar componer de una manera diferente. Y entonces Chris y Tom empezaron a enseñarnos cosas basadas principalmente en sintetizadores, y eso nos abrió una nueva atmósfera: enseguida empezaron a salirnos un montón de cosas.

Y, de todas las direcciones que podríais haber tomado, ¿cómo os decidisteis por este tipo de música, electrónica, oscura y con sintetizadores?

Fue principalmente Chris, que decidió dejar de lado la guitarra porque sentía que todo lo que le salía se parecía a algo que ya habíamos hecho antes. Entonces empezó a trabajar con sintetizadores y, una vez teníamos ese sonido sintético, queríamos ir más allá: empezamos a usar voces procesadas por ordenador, baterías programadas... Queríamos usar el mínimo de instrumentos “de verdad” posibles.

Flood ha sido vuestro productor en “In this light and on this evening”. ¿Cuál ha sido su papel en este nuevo sonido de Editors?

Ha sido decisivo. Muchas veces estábamos estancados y teníamos una idea pero no sabíamos ponerla en práctica. Ahí es donde más nos ayudaba. Además, creo fue una excelente elección porque había trabajado con música de un estilo parecido y con grandes artistas como los Smashing Pumpkins, Depeche Mode, Nine Inch Nails... Todos con cierto rollo industrial.

Ciertamente, este nuevo cambio de dirección apunta a un sonido más industrial. Os pone más en la onda de estos artistas que mencionas o incluso de New order, y ya no tanto Joy Division o Interpol. ¿Han cambiado vuestras influencias para este álbum?

Más bien han crecido. Además, ya no nos inspiramos sólo en música, sino también mucho en el cine.

¿Terminator, por ejemplo?
Sí, exacto, ese tipo de cosas. Algo mucho más vasto. Y cuando componíamos para este disco, e incluso cuando estábamos grabando, pensábamos en imágenes. Como si fuera la banda sonora de esos fotogramas que teníamos en la cabeza. Y es una manera interesante de trabajar, porque de esa forma no te obligas a que la canción tenga una estructura fijada: un principio, un nudo y un final, y lo puedes interpretar de una manera diferente, moverte en diversas direcciones. En cualquier caso, sí, la gente nos seguirá comparando con grupos, es algo inevitable... Pero al menos nos comparan con grupos muy buenos, lo cual es genial.

Dentro de todos estos cambios, uno que creo que ha pasado más inadvertido es la ampliación de registro vocal de Tom. En algunas canciones, como por ejemplo ‘Eat Raw Meat’ se ha atrevido con un registro mucho más agudo al habitual en él. ¿Ha sido algo premeditado o sólo lo que cada canción necesitaba?

Creo que las dos cosas. Necesitaba forzarse a hacerlo, retarse a ampliar su registro. Y estoy muy orgulloso de él porque se ha convertido en un frontman mucho más seguro de sí mismo. Al principio le daba un poco de miedo, pero Flood le animó a hacerlo, incluso cuando Tom se sentía incómodo o fuera de su rango vocal o incluso ridículo, Flood le decía “eso es interesante” o “inténtalo, tú puedes”.

¿Cuál es tu canción favorita del álbum?

Bueno, es difícil elegir, porque me gusta mucho cómo funciona como álbum en conjunto. De hecho, es interesante porque en nuestra web tenemos una encuesta para saber la canción favorita de la gente, y no hay una ganadora clara. Normalmente siempre hay alguna canción que piensas que va a gustar más que el resto, pero en este álbum parece que todas están muy igualadas, y eso es un halago. En cualquier caso, mi canción favorita ahora mismo seguramente es ‘The Big Exit’. Me gusta mucho tocarla en directo.

Es una de mis favoritas también, junto con ‘Eat Raw Meat’.

Lo de ‘Eat Raw Meat’ es curioso porque la primera versión que hicimos no era ni la mitad de interesante que el resultado final. De hecho, estuvimos a punto de no meterla en el disco. Pero Flood nos dijo “escuchad esos acordes, escuchad ese gancho que tiene”. Y la desnudamos del todo y volvimos a empezar. Y así nos topamos con la actual manera de interpretarla, que realmente funciona. Y menos mal que la encontramos, porque probablemente es la canción más fuerte del álbum.

¿Dónde ves a Editors en diez años?

Emmmm... Estoy prácticamente seguro de que seguiremos haciendo discos. Eso espero. Quiero decir, no hay nada que me haga pensar que no lo estaremos. Nos lo pasamos bien, nos sentimos muy creativos ahora mismo. Queremos seguir haciendo giras y conociendo lugares maravillosos, y las giras se sustentan en buenos álbumes. Así que seguiremos ahí.

Esta entrevista es el artículo principal del número de enero de Inzona

Vuelve la muchachada!

2010-01-08T10:48:00.000+01:00

Quizá algunos ya lo sepáis, pero quería dejar constancia en mi blog de que hace un par de días Muchachada Nui renovó por una temporada más. Este próximo miércoles 13 de enero volveremos a tener chanantadas a cascoporro a las 23.30 en La 2.

Y de regalo, para aliviar la espera, os dejo con uno de los grandes momentos del programa. "...yo era un chiquillo más bien feete, con el pelo enratonao, así churretoso, que no, no se me veía limpio..."

Mariah Carey, borracha revelación

2010-01-07T19:01:00.000+01:00

Pues nada, parece que Amaia Montero marca más tendencia de lo que creíamos. Así como la vasca apareció colocadísima hace unas semanas en los Premios 40 Principales, Mariah Carey subió hace un par de días con una taja descomunal a recibir el premio a la Actriz Revelación (¿?¿?¿) en el festival de cine de Palm Springs. Lamentable espectáculo y lamentable discurso, en el que ella mismo nos confirma:

-...perdonadme porque estoy un poco... mmmm.... emmmm...

-(público) BORRACHA!

-sí, eso mismo!

Verídico.

Por cierto, el premio era por su actuación en Precious de Lee Daniel, pero... ¿a quién le importa?

Mirad el vídeo. Un minuto y medio brutal de principio a fin.

Das Pop - Das Pop

2010-01-07T16:55:00.000+01:00

Seis años han pasado desde que Das Pop nos conquistaron con su single “You”, tiempo suficiente para que esta banda belga haya caído en el olvido. Y mucho me temo que este álbum no va a ser el que los rescate de su condición de one-hit wonder.

Este álbum homónimo, el tercero de su carrera, es agradable pero fácilmente olvidable, de esos discos que no dudarías en ponerte de fondo mientras preparas la cena pero que difícilmente meterías en tu iPod, y eso que está producido por Soulwax y 2 Many Dj’s. No obstante, para ser justos, hay que reconocer que la segunda mitad del LP supone una mejora sustancial respecto a una primera parte que carece de ideas y sosifica el sonido Motown. Eso cambia en “Fool for love”, que recoge ese sonido y lo contrapone a unas guitarras angulosas. Acto seguido nos sorprenden con el inicio casi free-jazz de “Try Again”, para luego marcarse un pop clásico y sosegado a lo McCartney en “Let me in”, que nos deja con la guardia baja, indefensos frente a la inesperada distorsión de “Saturday Night (Part 2)”. Así sí.

Esta reseña la podéis encontrar en el número de enero de GoMag

Georgia Muldrow: la nueva reina del soul

2009-12-30T11:46:00.000+01:00

El trono del neo-soul lleva su nombre. Y no es para menos, ya que si algo pone en su música Georgia Muldrow es alma. Su toque, humano y magistral a la vez, es inconfundible en toda canción en la que se involucra, ya sea a los mandos o frente al micro. Pesos pesados como Mos Def ya se han quitado el sombrero ante esta californiana de raíces africanas. Y, aún así, ella no le atribuye sus logros a su voz, ni a su música, ni a su groove, sino a sus antepasados y a todo lo que la rodea. Abran paso y congratúlense porque su nueva Majestad es una reina del pueblo.

Fuiste la primera artista femenina que fichó la discográfica Stones Throw, eres productora, haces colaboraciones con tu marido, sacas discos en solitario, co-diriges SomeOthaShip... ¿De dónde sacas tiempo para todo?

El tiempo es una ilusión. Es sólo cuestión de saber qué es lo que se requiere de mí y cómo puedo llevarlo a cabo correctamente.

Si tuvieras que escoger sólo un rol en el negocio de la música, ¿cuál sería? ¿Producir, cantar, rapear, tocar, dirigir...?

En realidad yo no veo mi vocación como algo dividido en parcelas. Es un todo. Y de la misma manera que no escogería el cuerpo en lugar del espíritu, la mente en lugar del espíritu, la mente en lugar del cuerpo o el cuerpo en lugar de la mente, no puedo escoger sólo una de esas partes del proceso creativo: están todas unidas en una única expresión de mi vocación. ¡Todas son arte!

‘Early’ lo ha sacado al mercado Animated Cartunes. ¿Por qué cambiaste de Stones Throw a Animated Cartunes?

Bueno, no me malinterpretes, pero estas discográficas están alquilando trocitos del barco. SomeOthaShip Connect / Epistrophik Peach Sound es mi casa, y éste es el último año que vendo mis álbumes, mis hijos musicales, a la esclavitud.

He leído que tu mayor inspiración son los niños y tus ancestros africanos. ¿De qué manera te inspiran?

De todas las maneras posibles. De no ser por ellos, no estaría aquí.

Y hablando de niños, ¿ser madre ha cambiado de alguna manera tu manera de hacer música?

¡Por supuesto! ¡La maternidad es como esteroides para la composición musical!

Has dicho muchas veces que tú misma has comprobado lo que la música puede hacer espiritual e incluso médicamente hablando...

Sí. El sonido afecta a la materia, porque de hecho es la madre/padre de la materia. Por eso, la actividad musical tiene mucho que ver aspectos relacionados con la materia, la forma y la física.

En una entrevista para el New York Times, Mos Def dijo esto sobre ti: “Es increíble. Es como Roberta Flack, Nina Simone, Ella Fitzgerald. Es... algo más. Es como una religión. Hace una música profunda, cargada de vibraciones. Nunca había oído a un ser humano cantar de esta manera”. Y en muchos medios has sido comparada con artistas de la talla de Erikah Badu o Lauryn Hill. ¿Qué opinas de estos elogios?

Bueno, todo elogio no es para mí sino para mis ancestros. Ellos hacen que todo esto salga a través de mí. Así que me alegro de no ser tan ególatra como para interponerme en estas transmisiones rítmicas que envían a través de mí.

¿Tienes algún artista favorito?

Declaime MC, mi madre, mi padre, Ndugu Chancellor, Leon Mobley, The Coltranes, Sopretti Perkins, Charles Mingus, Art Blakey, Herbie Hancock, Stevie Wonder, Thelonious Monk, Patrice Rushen, Mary Lou Williams, Betty Carter... Podrías llenar páginas y páginas...

¿Y alguno de la escena actual?

Ui, yo no entiendo de escenas, las escenas son para las películas, jajaja.

En todos tus temas tomas muchos elementos de diversos estilos: desde el jazz hasta el hip-hop, pasando por el r’n’b e incluso algunos toques de electro... ¿Hay algún estilo con el que te identifiques especialmente?

No sé, no me gusta intentar definirme ni definir estilos. Creo que más que estilos, tengo que dar gracias a mis fuentes etéreas, que son cientos.

Encontraréis esta entrevista en Serie B

Arctic Monkeys gratis en Valencia

2009-12-24T10:36:00.000+01:00

El MTV Winter Valencia lleva sus dos ediciones anotándose tantos con una gran selección de artistas (que poco se refleja en su programación), un año fue Franz Ferdinand, otro The Cure. Y para esta tercera edición, nos traen nada más y nada menos que a los Arctic Monkeys, ¡y por la cara! Así que ya sabes, si el 13 de febrero estás por Valencia, acércate a la Ciudad de las Artes y las Ciencias bien prontito por la mañana y ponte a hacer cola. Y si no puedes asistir, siempre te quedarán los otros dos conciertos en España, el 5 en Madrid y el 6 en Barcelona, eso sí, soltando la mosca. Y si eres tan desgraciado que por algún motivo no puedes a ninguno de los tres, los de MTV te lo ponen fácil, porque emitirán el concierto de Valencia posteriormente.

Stephin Merritt se siente generoso

2009-12-23T16:06:00.000+01:00

...y va y nos hace un regalito adelantado de Navidad, que además se titula "Everything is one Christmas tree". Pero no pertenece a ningún disco navideño, sino que es un adelanto del "Realism" de los Magnetic Fields, que sale a finales de enero. La canción, en la línea del nuevo disco, es bonita, sencilla y acústica. Y además, te la puedes descargar gratis en el blog de NME. ¿Qué más puedes pedir?

Cocoon - My friends all died in a plane crash

2009-12-23T15:00:00.000+01:00

Parece mentira que un dúo con nombre de pintalabios -algo supuestamente festivo- haya firmado el título más triste del año. Y lo más triste de “My Friends All Died in a Plane Crash” es que es literal: Mark Daumail perdió a la mayoría de sus amigos y familia y necesitaba contar la historia. Para ello fichó a la delicada Morgane y creó Cocoon.

Pero este álbum no suena a música de autoayuda, tranquilos. Suena frágil, sencillo, acústico, dulce, a ratos desconsolado, a ratos optimista, pero siempre catártico. Dotadas con la ternura de Elliot Smith o Sufjan Stevens y recordando a K’S Choice en las notas más rasgadas, la belleza de estas doce canciones no sólo reside en la sensibilidad del dúo para crear preciosas melodías folk, sino también en su habilidad para trazar armonías vocales conmovedoras, que contrastan con la dureza de algunos versos: “I’ll need a gun or a hand”, “there’s a god but he wants cash”. Ukeleles, pianos, una guitarra y una prueba vital: si escuchas “Tell Me” y no se te eriza la piel, es que estás muerto.

Pete la lía de nuevo

2009-12-23T10:34:00.000+01:00

Mucho tiempo llevábamos ya sin noticia del ex-frontman de The Libertines. Pues nada, Pete Doherty, con sus 30 tacos ya, parece que sigue sin madurar. El lunes lo detuvieron por posesión de heroína, justo cuando acababa de salir de la corte penal por unos cargos relacionado con un accidente de coche en el que conducía en estado de ebriedad. Parece que le mola esto de empalmar multas y condenas.

Kiev cuando nieva - Todos los ademanes

2009-12-22T13:46:00.000+01:00

“Todos los ademanes” viene en una caja blanca con una especie de triángulo de Pascal en la portada que en realidad no lo es. Lo sé porque llevo media hora sumando, restando e intentando sacar conclusiones pero no llego a nada.

Algo parecido le pasa al álbum, que parece que te va a llevar algún lugar, que te va a recompensar el esfuerzo por entender sus intrincadas composiciones (simples en apariencia), que con ese título pomposo, su rollo lo-fi y sus melodías de digestión pesada, sólo hace falta quitarle un poco de polvo a la lámpara para que salga el genio. Y aunque el genio asoma la cabeza (“Avispa”, la instrumentación atípica, los saxos en “Procedimiento”, la percusión mínima en “La Carga”), la cosa se queda en eso. En cuanto a sus letras, resultan tan costumbristas que carecen de interés, pese a algún destello evocador (“es mi sueño de avispa y no me conviene perderlo", “no me pesará la carga que traigas”). Eso cuando las entiendes, porque Antxon canta bajito y sin ganas.

En definitiva, que Kiev cuando nieva tienen un nombre precioso y algunas buenas ideas, lástima que sus canciones no estén a la altura.

Franz Ferdinand y The Horrors, primeras confirmaciones del Estrella Levante SOS 4.8

2009-12-22T10:13:00.000+01:00

La tercera edición de este festival que se celebra en Murcia está haciendo salivar a media península con los nombres que han confirmado: Franz Ferdinand, Fatboy Slim, Madness, The Horrors y Nada Surf en el bando internacional, y Alondra Bentley, Anni B Sweet, Delorean, Joe Crespusculo, Lidia Damunt, Love of Lesbian y We Are Standard, en el bando nacional. Y si todo esto no os convenciera (¿¡¿qué clase de bichos insaciables sois?!?), se rumorea que podrían caer Annie y Fever Ray también.

Vamos, un festival la mar de variado y apañado, que tendrá lugar el 30 de abril y 1 de mayo y que además cuesta sólo... ¡35 euros! Yo de vosotros correría, porque el año pasado no sólo se agotaron los abonos sino también los alojamientos en toda Murcia.

El mono bipolar me dice que queme cosas

Nuevo vídeo de Blood Red Shoes

Tema del día: EVERYTHING EVERYTHING - My KZ, ur BF

Tema del día: YES CADETS - Lies

Megafaun: caos y orden

Entrevista a Spoon

Barricade, lo nuevo de Interpol

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Exsonvaldes, la revolución francesa

Skunk Anansie y Hurts vuelven a España

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¿Se le ha ido la olla a M.I.A.?

M.I.A. tiene un nuevo tema. Se llama "Space Odissey / There's space for ol dat i see" y es una frikadota en toda regla que demuestra que esta chicaa) ha estado fumando de todo menos tabacob) ha estado escuchando Animal Collective. Mucho.

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a) ha estado fumando de todo menos tabaco
b) ha estado escuchando Animal Collective. Mucho.